The Horrors: una entrevista sobre sus diez años de oscura experimentación

Por: Abraham Huitrón

The Horrors aparecieron en la escena musical con su primer disco en el ya lejano 2007, en una época donde florecieron junto a muchas otras bandas de las cuales, varias se quedaron en el camino, pero a diez años de distancia (Dios, en qué momento paso tanto tiempo), la banda ha sabido transformarse para continuar vigentes.

Muchos los recordamos por aquellos looks bastante oscuros y hasta emos; todos vestidos de negro, con los ojos delineados, pantalones ultra skinny y peinados estrafalarios que les cubrían el rostro, que apenas en un minuto y 42 segundos cautivaron a muchos jóvenes que disfrutaban de “Sheena Is a Parasite”, pero una década después, hay muy pocos rastros de ello.

Además de su apariencia, su música también ha cambiado y prueba de ello es “Machine”, la nueva y primera canción que escuchamos de V, su nuevo disco con el que regresan este año más experimentales que nunca. Un disco producido por Paul Epworth, el productor de artistas típicamente pop como Adele, pero que también ha trabajado con gente como Paul McCartney, y el resultado es sorprendente. Por ello platicamos con Joshua Hayward, guitarrista del grupo, quien nos contó todos los secretos detrás del quinto disco de The Horrors.

Joshua antes que nada, ¿cuál es el nombre del disco? ¿cinco o la letra V? 



Joshua Hayward: Es la letra V. Así puedes hacer la señal con los dedos de tu mano, puede ser la V de la victoria o como tú quieras usarlo (risas).

Creo que en sus últimos discos la banda había hecho cosas más experimentales, pero ahora siento que regresaron a sus raíces más obscuras, ¿tú lo ves así?

No lo sé, siento que nosotros siempre hemos sido oscuros de alguna manera, pero al mismo tiempo experimentamos, es algo que nos gusta hacer.

¿Por qué eligieron “Machine” como la primera canción que compartirían de V? Es completamente distinto a lo que habían hecho antes.

Cuando empezamos a hacer el disco, queríamos que fuera más pesado, más raro, y ponerle más guitarras. Creo que “Machine” representa un poco de eso muy bien y por eso fue la primera que quisimos compartir con el público.

 

Leyendo el tracklist de V, veo títulos como “Machine”, “Press Enter to Exit”, “Hologram”, “Point of No Reply”, ¿el tema del disco tiene que ver con toda esta alienación tecnológica que vivimos actualmente como sociedad?

Sobre las letras, Faris (Badwan) no habla mucho con nosotros sobre el proceso, y por ahora no tenemos permitido mucho hablar de eso, pero lo cierto es que creo que es uno de nuestro discos en donde las letras siguen una línea. Pero en “Machine” por ejemplo, sí hablamos más que de una alineación tecnológica, o de un loco robot que de repente te ataca, algo así (risas).

Hace 10 años salió su disco debut, y muchas bandas que salieron en ess época ya no existen, y creo que ustedes continúan vigentes porque supieron cambiar su sonido. ¿Qué tan importante es para ustedes la experimentación a la hora de hacer un disco?

Es muy importante, yo no estaría en la banda sino pudiera cambiar constantemente, experimentar es lo que hace todo esto muy interesante para nosotros. Que hacer música nos suponga un reto a la hora de hacerla. No sé si pudiéramos seguir siendo una banda si hiciéramos lo mismo todo el tiempo, eso sería una maldición (risas).

Y creo que esta experimentación se nota cuando prácticamente para cada disco reclutan a un nuevo productor, y ahora trabajaron junto a Paul Epworth ¿Cómo los ayudó él a conseguir el sonido que estaban buscando?

Claro, definitivamente ese es nuestro objetivo al trabajar con diferentes personas, y con Paul es grandioso. Somos fans de su trabajo ahora, a pesar de que ha producido discos de pop y de U2 o lo que sea, pero a él le encanta experimentar y esa es la forma en la que trabajamos. Hicimos muchas cosas en el estudio, a él le gusta que todo tenga una estructura.

Paul es muy bueno cambiando las cosas muy rápido entre canciones, era como grabamos una guitarra, y el decía “ahora repoduzcámoslo hacia atrás a ver que sale, ahora intenta esta otra técnica, ahora hazlo con la batería, ahora con el bajo”. Pone a la gente a pensar, todo el tiempo. La tecnología no tiene qué pesar mucho, es más hacer al humano un elemento, pero sí fue de esa manera en la que trabajábamos todo el tiempo. Lo que es impresionante son los beneficios que encontramos al hacerlo así, fue único, él es un gran hombre.

Justo como lo mencionas, es interesante que él que ha producido discos de gente como Adele, de repente trabaje con ustedes y siga buscando experimentar, suena muy cool.

¡Sí! Si llegabas con una idea que era un poco loca, como ‘yo quiero ponerle un delay de 10 segundos a mi guitarra’, eso es muy difícil de tocar y mucha gente probablemente te dirá que no lo hagas, pero Paul era como ‘grandioso, que sean 20 segundos’ (risas). Prácticamente cualquier cosa que quisieras tocar él te ayudaba a conseguirlo, y eso es muy refrescante, tener gente que haga eso.

¿Y crees que vaya a ser difícil replicar este sonido que lograron en el estudio, tocándolo en vivo?

Ya lo hemos estado haciendo recientemente, incluso desde el disco pasado que tenía muchas más capas. Pero con este disco tratamos de hacer más con menos, básicamente. Hacer que el sonido suene más pesado de lo que realmente es, pero este disco está hecho más para tocarlo en vivo, es muy divertido y realmente lo disfrutamos mucho cuando lo tocamos en vivo, se trata de disfrutar el momento.

Creo que siento a este disco más obscuro, y no sé si sea por la portada, que es muy diferente de todas las anteriores que habían sacado con estas letras en japonés ¿Cómo fue que decidieron ponerle todos esos elementos?

La idea fue hacer la portada mucho más grande, ambiciosa porque así era el disco. La idea gráfica es que fuera muy futurista, queríamos algo que no fuera típico de nosotros, que fuera más raro, era una gran tarea, así que todo surgió con el diseño que hizo Erik Ferguson para la portada de “Machine”.

Queríamos algo que fuera como de un popstar del futuro alienígena, y luego puso las caras y las juntó, como si fuera un gran accidente (risas). La idea era que la imagen conectara con la música, y sobre las letras, creo que fue una idea inocente, el poner como un mensaje en otro idioma, que al final en nuestros tiempos cualquiera puede descifrar que dice, para hablar de lo conectado que ya está el mundo ahora. Lo hubiéramos puesto en inglés y ya, pero parecía divertido que la gente fuera uniendo los significados, como un mensaje en donde el público y nosotros hacemos el 50/50 para que llegue el mensaje.

Con todas las cosas que pasan en el mundo actualmente, ¿por qué importa la música?

Porque la música siempre ha importado, hemos llegado a un punto en donde la música nos permite relacionarnos entre humanos, al compartir música con alguien puedes comunicarte de esa forma, bailar juntos, es algo fascinante que sólo tienes con la música. He conocido gente por la música, nos hemos divertido por eso. No puedo pensar en una cosa más importante en el mundo que la música.

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