La música es una de las actividades primitivas que ha acompañado desde siempre al ser humano. Con el tiempo se convirtió en una expresión artística para transmitir sentimientos e ideas y al mismo tiempo es un reflejo social en el cual podemos analizar temas más complejos como históricos, políticos, económicos, culturales, etc.
Obviamente la música tiene una evolución histórica que si quisiéramos detallar a fondo terminaría siendo casi imposible, además… ahí está internet. Es por ello que en esta ocasión daremos una breve introducción a la música contemporánea, o también mal conocida como “música clásica contemporánea”; como paréntesis, no se puede denominar “clásica” porque justamente no cumple al periodo clasicista como las obras de Beethoven, Mozart y Haydn (como algunos ejemplos).
Quizá se preguntarán ¿qué me importa la música contemporánea? y bueno, a mi parecer, al igual que la historia, saber y entender la evolución en las expresiones artísticas nos ofrece una concepción tanto del arte como del artista respecto al mundo que lo rodea, ya sea real o imaginario. Además, la música popular o comercial ha adoptado algunas expresiones de la música académica contemporánea. En pocas palabras, amplía nuestra concepción crítica acerca de la música en general.
La música contemporánea marca su inicio a finales del siglo XIX como una continuidad de la música impresionista (Debussy y Satie entre los más reconocidos). Sus principales características es la búsqueda de nuevos sonidos; esto quiere decir: nuevos instrumentos, nuevas formas de ejecutarlo, nuevos timbres, tonalidades, colores, armonías, ritmos, etc. y la independencia con la composición tonal, ésto quiere decir que la música ya no cumplía estructuras jerárquicas establecidas principalmente en las academias de Europa.
Erik Satie
Entre los antecesores próximos a la música contemporánea están Debussy y Satie, ambos fueron contemporáneos, grandes amigos y compañeros. Muchos creían en una rivalidad entre los dos, preguntando quién es más influyente en quién (por cierta similitud en la esencia de sus canciones), pero entre éstos jamás existió cierta rivalidad.
Satie (utilizo a Satie como ejemplo ya que por cuestiones personales es mi favorito) fue reconocido por su peculiar sentido del humor y carácter. Fue músico de cabaret y a sus 40 años entró a una escuela de música, lo cual causó sorpresa y risas entre sus compañeros. Sus composiciones eran muy peculiares y odiadas por varios de sus profesores ya que no cumplían las estructuras jerárquicas dentro de la composición. Satie lo único que hacía respecto a estas opiniones era ironizar aún más y crear nuevas historias-canciones en las cuales exponía su opinión al respecto. También es reconocido por otorgar cierta libertad a los intérpretes de sus obras, teniendo pequeñas notas en sus partituras como: “abra la mente”, “vuélvase loco o aparente”, “silenciosamente, se lo ruego”, etc. Sin lugar a dudas tenía una concepción distinta respecto a la música.
Luigi Russolo
Luigi Russolo es considerado el pionero de la música experimental y noise. Su trabajo fue considerado dentro de la corriente futurista y su trabajo giró principalmente alrededor de las cualidades del ruido. Él escribió el manifiesto El arte de los ruidos en el cual explicó que la humanidad comenzaba a adoptar el ruido de las máquinas y la industria como algo cotidiano; por lo tanto creó obras enfocado principalmente en ésto. Creó el instrumento Intonarumori para recrear dichos sonidos, fue severamente criticado en su momento, pues imaginen, interpretó algo muy similar en 1913. También fue pintor de la corriente futurista.
Arnold Schönberg
Arnold Schönberg es conocido por ser uno de los compositores pioneros en la composición atonal y el creador del dodecafonismo, el cual radica en la importancia de las 12 notas en general y no tomar unas cuantas como principales (que era lo más jerarquizado en las escuelas de música). Cabe resaltar que Shönberg compusó varias obras tonales, pero dentro de éstas se nota una experimentación que derivó a sus últimas composiciones totalmente atonales.
Béla Bartók
Béla Bartók fue un compositor bastante inquieto; más allá de sus composiciones también fue investigador de la música folclórica europea y fue uno de los fundadores de la etnomusicología. Sus composiciones destacan en expresiones artísticas como el primitivismo, el cual busca resaltar el folclór más arcaico de ciertas regiones de Europa y el neoclasicismo el cual respetaba algunas reglas jerárquicas pero con detalles atonales y ritmos sincopados (golpes que rompen la regularidad de un ritmo).
Julián Carrillo
Julián Carrillo es uno de los compositores mexicanos más reconocidos por las aportaciones que otorgó a la música contemporánea. Su principal aporte es el conocido sonido 13, que más que un sonido es un método que busca la composición y creación de instrumentos con microtonos, esto quiere decir que entre una nota y otra (por ejemplo Do y Do#) existían frecuencias microtonales que siempre fueron marginadas en la música académica. Julían Carrillo construyó múltiples arpas con ésta característica y compuso múltiples obras. Sin lugar a dudas es uno de los pioneros en la composición a base de microtonos. Esta fue la primera obra que expuso junto a su método del sonido 13.
John Cage
John Cage es uno de los compositores contemporáneos más reconocidos. A Cage siempre le interesó la experimentación y la libertad del sonido. En múltiples entrevistas mencionó la importancia del ruido y el silencio en sus composiciones y no se establecía en usos estándares de los instrumentos musicales. Dentro de sus obras más reconocidas está 4.33 pieza en donde el protagonista es el silencio (y a la vez no), también sus composiciones para piano preparado (el cuál consistía en alterar las cuerdas con tornillos, clips y cualquier cosa que se le ocurriera) fueron características de su trabajo. En el trabajo de Cage se percibe una total libertad expresiva y en composición.
Stockhausen
Stockhausen es otro reconocido compositor contemporáneo. Desde niño sufrió tormentosos momentos debido a la Segunda Guerra Mundial, lo cual lo llevó a mediar y olvidar ésto a través de la música, y múltiples trabajos a la vez desde pequeño, lo cual se refleja en la actitud de sus obras. Es conocido su trabajo por innovar en la composición con elemento electrónicos y algoritmos matemáticos. A muchos nos parece difícil entender la música de Stockhausen a primera escucha, y bien, sin lugar a dudas no es música para poner de fondo en una reunión familiar; pero es interesante cómo utiliza la música como un medio de alteración al escucha, tenía la concepción de que el sonido cambiaba radicalmente a las personas. Tiene trabajos muy ambiciosos que hoy en día muchos lo interpretan como instalaciones o performance sonoro, entre el más criticado está su cuarteto de helicópteros. También causó polémica por la opinión (que se salió fuera de contexto) en el cual explicó que el atentado de las torres gemelas era una obra de arte.
Y si llegaste hasta aquí… pues muchas gracias. Pronto tendremos la segunda parte de ésta nota.
T:@hreveh