Ya con el fin de año a la puerta de la esquina y para darle continuidad al asunto, les dejamos la segunda parte de las mejores 100 canciones que nos ayudaron a definir la década a punto de concluir.
Como recordarán, hace unos días les soltamos las primeras 50 canciones que, consideramos, musicalizaron la década de muchos, ya fuera porque sonaron en todos lados o bien, porque fueron trabajos musicales realmente buenos y merecían ser aplaudidos por todos. Sin más, acá van las otras 50 rolitas del conteo:
“Thank U Next” – Ariana Grande (Thank U, Next, 2019)
Terminar con una relación sentimental nunca deja un buen sabor de boca, sin embargo, si algo nos enseñó Ariana Grande es que eso depende de uno. Y sí, esa lección la dio con una canción llamada “Thank U Next”, en donde agradece a cada uno de sus ex novios –incluido a Mac Miller, quien falleció en septiembre de 2018– por todas las enseñanzas que le dejaron en su vida. Además, cuenta con un video donde rinde tributo a películas conocidas como Mean Girls (2004) y 13 Going on 30 (2004).
“Cigarette Daydreams” – Cage The Elephant (Melophobia, 2013)
En 2013, Matt Shultz y compañía sorprendieron a todos con “Cigarette Daydreams”, la cual se destacó del repertorio de Cage The Elephant gracias a un sonido suave y melancólico brindado pocas veces por parte de Shultz y compañía. “Me gusta la idea de hacer cosas que la gente pueda hacer y no esperar de nosotros “, dijo Matt en una entrevista con Music Radar. “Así que decidimos adoptar un enfoque completamente nuevo para escribir, y esta canción es un buen ejemplo de eso. Se trata de ser honesto”.
“Born To Die” – Lana del Rey (Born To Die, 2012)
La reina de las coronas de flores nos regaló en 2012 su álbum debut Born To Die, de donde se desprende el sencillo con el mismo nombre y en el cual refleja la adrenalina que se experimenta cuando uno es joven y sólo quiere vivir al extremo, sin pensar mucho en las consecuencias.
“Considero que el disco es un homenaje al verdadero amor perdido y un homenaje a vivir la vida salvaje. Cuando era joven, me abrumaba pensar en mi propia mortalidad, pero también encontré momentos fugaces de felicidad, en los brazos de mi amante y amigos. Esta canción y el registro son sobre estos dos mundos, la muerte y el amor, que se unen “, mencionó la cantante americana a The Sun.
“The Suburbs” – Arcade fire (The Suburbs, 2010)
Win Butler siempre ha sido una persona que gusta de contar sus experiencias personales en sus creaciones, y The Suburbs no es la canción. Esta melodía que encabeza el álbum de 2010 de la agrupación canadiense habla sobre las vivencias de Win y Will Butler en los suburbios de Texas, eso sí, con un toque oscuro al tocar temas como la guerra, la juventud y el proceso de las personas de perder la inocencia conforme van creciendo.
En México “The Suburbs” tomó gran significado en 2017, cuando Butler dedicó la melodía a todas aquellas personas que habían perdido a un familiar durante el sismo del 19-S, esto durante el concierto de la banda en noviembre de ese año, en el Auditorio Nacional.
“Under Cover of Darkness” – The Strokes (Angles, 2011)
El principio de esta década se vio marcado por el regreso musical de The Strokes, quienes estrenaron música luego de cinco años de no hacerlo. La primera pieza musical que Julian Casablancas y su séquito dieron a conocer fue “Under Cover of Darkness“, en donde los neoyorquinos contaron la despedida de un miembro del ejército a una persona amada. “Supongo que se trata de alguien que trabaja en el ejército y tiene una novia. Es cursi, pero se trata de tener que dejar atrás a un ser querido”, dijo Casablancas a NME.
“The Less I Know, The Better” – Tame Impala (Currents, 2015)
Esta creación de Kevin Parker se ha vuelto popular últimamente gracias a los memes (como el de la niña bailando en la sala de su casa), pero la verdad es que goza de bastante popularidad desde hace unos cuatro años. Como un sencillo promocional de Currents, “The Less I Know The Better” se convirtió en una de las rolas más famosas de Tame Impala, sobre todo por el videoclip donde vemos a un pobre hombre decirle a su enamorada que la seguirá esperando, aunque no sabe cuanto tiempo.
“This Is America” – Childish Gambino (2018)
Con un fuerte discurso dirigido a la sociedad norteamericana actual, Childish Gambino –también conocido como Donald Glover–, habla sobre el consumismo en las mentas más jóvenes, el comercio de armas de fuego y cómo es que la comunidad negra se sigue enfrentando al racismo y a la brutalidad por parte de la policía.
No tenemos dudas de que Gambino nos dio uno de los videoclips más reales y creativos de esta década, con varios elementos y referencias que lo hacían más y más interesante conforme los ibas descubriendo.
“Had To Hear” – Real Estate (Atlas, 2014)
Semanas después de que la banda proveniente de Nueva Jersey visitara nuestro país, en julio de 2014, Real Estate presentó “Had To Hear”, una composición donde además de cautivarnos con su sonido dream pop, también enamoró al público mexicano con su video oficial, el cual muestra partes de los lugares que la agrupación visitó en la ahora llamada Ciudad de México, tales como el museo Soumaya, Xochimilco, y hasta las Pirámides de Teotihuacán.
“Yonkers” – Tyler, The Creator (Goblin, 2011)
En 2011 y con sólo 20 años de edad, Tyler The Creator dio a conocer “Yonkers”, el cual se convirtió en uno de sus sencillos más icónicos, el cual a pesar de los comentarios negativos que recibió por las críticas lanzadas a artistas como Hayley Williams (Paramore), BoB y Bruno Mars –quienes ese año aparecieron en varios de los rankigs de música– o la violencia que ejercía con sus letras, también le dio a Tyler The Creator el empujón necesario en su carrera como solista.
“Two Weeks” – FKA Twigs (LP1, 2014)
Creada con una combinación de su voz angelical y ritmos bastantes sexys, en 2014 FKA Twigs reveló “Two Weeks”, una pieza con bastantes cargas sexuales que se destacó en 2014 por ser una mezcla bastante interesante entre la música industrial y el pop convencional conocido por muchos, dos cosas que sin duda marcaron una diferencia de las creaciones de la cantante y productora británica, las cuales definitivamente no se comparaban con las demás estrellas pop de ese entonces.
“Sing” – My Chemical Romance (Danger days: the true lives of the Fabulous Killjoys, 2010)
En 2010, My Chemical Romance publicó Danger days: the true lives of the Fabulous Killjoys, el cual sin saberlo sería el último disco –por el momento– que escucharíamos por parte de Gerard y Mike Way, Fran Iero y Ray Toro, uno en donde cabe mencionar, la agrupación se inspiró muchísimo en el sonido de los Sex Pistols.
De este material discográfico se desprendió “Sing”, un sencillo en donde Way y su séquito nos transportaron al mundo de Fabulous Killjoys, un lugar situado en California que después de un apocalipsis queda en manos de un pequeño grupo de personas, quienes prohiben a los demás alzar la voz. Justamente, la canción es un llamado a las personas para luchar por lo que creen y consideran bueno para la humanidad.
“Hold On” – Alabama Shakes (Boys & Girls, 2012)
Como el primer sencillo de su álbum debut Boys & Girls, Alabama Shakes comenzó a hacer ruido en 2012 gracias a “Hold On”, una melodía en la que con una vibra de los años setenta en su sonido country, y con Brittany Howard con apenas 24 años de edad tomando las riendas de la pieza musical, logró que la agrupación estadounidense ganara un año después un premio Grammy a la mejor interpretación rock.
“My Kind Of Woman” – Mac DeMarco (2, 2012)
Una de las canciones amor que nos dejó esta década fue “My Kind Of Woman”, del músico y compositor canadiense Mac DeMarco, una pieza con un característico lo-fi y pop psicodélico en donde nuestro querido Mac nos relató la relación entre un chico y la mujer que le gustaba y quien al parecer lo volvía loco (probablemente porque no le correspondía de la misma manera). Ideal para dedicar a esa persona especial (o mejor no).
“Closer” – Tegan and Sara (Heartthrob, 2013)
Las gemelas canadienses Tegan y Sara Quin sonaron en todas partes durante varios meses de 2013 gracias al sencillo “Closer”, donde se vieron inspiradas por ese sentimiento juvenil de anhelar que una persona se acerque a ti en todos los sentidos.
“Lo que pretendía era escribir algo dulce que le recordara al oyente a una época anterior al sexo, las relaciones complicadas, y el drama. Estaba escribiendo sobre mi juventud. Una época donde nos acercábamos brazo con brazo caminando por los pasillos de la escuela, o hablábamos toda la noche en el teléfono sobre todas nuestras cosas”, mencionó Tegan en una entrevista con la revista Rolling Stone.
“No necesariamente de aceptar nuestros sentimientos. De hecho, eso rara vez pasaba. La anticipación de que algo quizás podía suceder era emocionante y satisfactorio. Estas relaciones existían en un estado de ambigüedad tanto física como sexual”, detalló la cantante.
“Runaway” – Kanye West Ft. Pusha-T (My beautiful dark twisted fantasy, 2010)
Kanye West terminó la década presentando rolas cristianas, sin embargo, no vamos a olvidar que él comenzó el 2o10 de manera muy diferente. Y es que el famoso rapero estadounidense, cuando no da de qué hablar con sus declaraciones, lo hace por sus canciones. “Runaway” fue una de ellas.
Acompañado por un piano y con el cantante Pusha-T haciéndole segunda, West se abrió ante sus fans y tocó temas importantes en su vida, como la relación que tuvo con la modelo Amber Rose, la arrogancia que lo caracteriza, e incluso hasta puntos vulnerables como la inseguridad y tristeza.
“We Are Young” – F.U.N Ft. Janelle Monáe (Some Nights, 2012)
Todos, absolutamente todos, nos hemos puesto borracheras infernales en las que solamente queremos estar rodeados de nuestros mejores amigos, tanto en los momentos buenos de ella como en los no tan agradables.
Una oda a todo eso fue “We Are Young”, el primero sencillo del segundo disco Some Nights, de F.U.N., en donde de la mano de Janelle Monáe se volvieron uno de los hits de verano más reproducidos de 2012, llegando a liderar el ranking de Billboard durante casi dos meses. Nada raro considerando que la canción es pegajosa y cuenta con un coro nada complicado de aprenderse.
“Lazarus” – David Bowie (Blackstar, 2016)
2016 fue el año en el que David Bowie nos regaló su último disco de estudio, Blackstar, el cual no sólo tomó relevancia por ser uno de los discos más experimentales escuchados por parte de Bowie en varios años, sino también por el hecho de que éste fue lanzado dos días antes del fallecimiento del cantante británico a consecuencia de un cáncer hepático.
Irónicamente, en este material discográfico el gran Bowie tocaba temas sobre la vida y la muerte, tal como en la canción “Lazarus”, en cuyo video musical David Bowie aparece caracterizado como el personaje “Button-Eyes” del video de “Blackstar”, quien se encuentra acostado en su lecho de muerte.
“Sicko Mode” -Travis Scott ft. Drake (Astroworld, 2018)
El disco Astroworld, fue uno de los más aclamados por la crítica durante 2018, y si hubo una canción memorable en toda la placa discográfica de Travis Scott, esa fue “Sicko Mode”.
Utilizando un sample de “Gimme The Loot,”, de Biggie Smalls, además de juntar fuerzas con Drake, la rola es sólo una metáfora a la manera en la que ambos artista trabajan, al estar en “modo bestia”, con el cual han logrado estar entre los artistas más influyentes de la década.
“How Long Have You Known?” – DIIV (Oshin, 2012)
Bajo el sello Capture Tracks, fue en 2012 cuando la banda de shoegaze DIIV, finalmente lanzó su álbum debut Oshin, el cual incluso fue incluido en la lista de Pitchfork de los mejores discos de ese año. De ahí se desprendió “How Long Have You Known?, que se hizo más conocida por su videoclip musical, en donde vimos al líder de la banda, Zachary Cole Smith, como un inventor amateur. Uno de los mejores discos debut de los últimos tiempos.
“Zebra” – Beach House (Teen Dream, 2010)
Escrita por la vocalista y tecladista Victoria Legrand, con ayuda del guitarrista Alex Scally y producido con ayuda del productor Chris Coady, Beach House se convirtieron en lo más destacado del dream pop curante la década con su canción “Zebra”, de su tercer placa dicográfica Teen Dream. Una pieza musical que sobresale por la angelical voz de Legrand y por estar acompañada de un video bastante psicodélico.
“Party Rock Anthem” – LMFAO (Sorry For Party Rocking, 2011)
Declarada por Billboard como la canción del verano en 2011, “Party Rock Anthem” del dúo LMFAO, musicalizó las fiestas, reuniones, tiendas departamentales, estaciones de radio y más durante ese año. Razones hay muchas –como su video musical y su pegajoso baile–, pero la principal sin duda es la temática de fiesta y diversión al máximo nivel.
“Tomamos la decisión de que ese fuera el primer sencillo del álbum por la misma razón que pensamos que podría ser una canción número uno. Es una bastante única, ya que es una canción de fiesta que realmente habla de cómo ir de fiesta. Es como una instrucción para bailar. Estábamos entusiasmados cuando la terminamos, especialmente porque nos llevó más de un año hacerla”, dijo Redfoo en una entrevista con Digital Spy.
“I Follow Rivers” – Lykke Li (Wounded Rhymes, 2011)
El segundo sencillo de su segundo álbum Wounded Rhymes –producido por Björn Yttling (Peter Bjorn and John)–, “I Follow Rivers” de Lykke Li fue una de los lanzamientos más aclamados a principios de la década, uno en donde la cantante de origen sueco habló sobre el deseo como una fuerza natural que te lleva a las cosas que buscas aún cuando te sientes sin voz para pedirlas.
“Feel It Still” – Portugal. The Man (Woodstock, 2017)
Sabemos que “Feel I Still” es una de las canciones más conocidas de Portugal The Man, mucho de ello gracias a esa línea de bajo liderando toda la composición musical de la agrupación. Esta rola perteneciente a su octavo álbum Woodstock, se distinguió por una razón: fue el material de la banda proveniente de Alaska que más tiempo tardó en salir al mercado, y también por haberse hecho tan popular, tanto que incluso salió en algunos comerciales como los del iPad Pro, Vitamin Water y hasta Youtube Tv.
“Bad Blood” – Taylor Swift Ft. Kendrick Lamar (1989, 2014)
Antes de ser amigas por siempre, todo el mundo sabía que Taylor Swiift y Katy Perry no se llevaban bien. De hecho, esa enemistad llevó a Swift a escribir “Bad Blood”, o al menos así lo dieron por hecho millones de personas, pues en esa canción la cantante estadounidense de 30 años utiliza algunas referencias dirigidas para Perry, quien la desilusionó en más de una ocasión (sabrá dios quien sabe más se traían estas dos).
Para la versión de remix, Taylor Swift unió fuerzas con Kendrick Lamar, algo que le hizo recibir muy buenas críticas por los arreglos hechos por el rapero en la composición de Taylor. Una decisión bastante buena por parte de la artista y su equipo.
“We Can’t Stop” – Miley Cyrus (Bangerz, 2013)
Miley Cyrus dejó atrás la imagen de niña buena con el lanzamiento de Bangerz, disco en donde la ex-chica Disney presentó material audiovisual bastante “subido de tono” a lo que nos tenía acostumbrados, y el cual estaba inspirado casi en su totalidad en la ruptura sentimental de Cyrus con su entonces prometido Liam Hemsworth (ahí todavía no se casaban).
“We Can Stop”, hablaba sobre salir a divertirse, pero también tenía referencias a sexo y drogas, elementos que de alguna manera lograron crear y reafirmar la imagen de la Miley Cyrus de la actualidad; alocada y sin una pizca de pudor.
“Stressed Out” – Twenty One Pilots (Blurryface, 2015)
“Stressed Out” es una historia narrada por un personaje llamado Blurryface, la cual no es más que la representación gráfica de las inseguridades y miedos de Tyler Joseph, y el cual anhela de cierta forma esos días en los que era niño y todo parecía menos complicado. De hecho, esta melodía es una carta abierta acerca de ese deseo de recuperar la inocencia característica de los pequeños, que se pierde con el paso del tiempo y va dejando a su paso muchas inseguridades.
“Love It If We Made It” – The 1975 (A Brief Inquiry into Online Relationships, 2018)
El año pasado The 1975, por primera vez, reflejó su punto de vista sobre acontecimientos mediáticos y políticos con “Love It If We Made It”, cuya letra en realidad no contaba con un contexto en específico y se realizó con base en titulares y citas directas que Matt Healy escuchaba de otras personas.
Cuestiones como la inmigración, la muerte del rapero Lill Peep –ocurrida en noviembre de 2017–, así como los comentarios misóginos y racistas de Donald Trump, son algunos de los elementos clave para la inspiración de Healy, mismas que llevaron a The 1975 a ser considerada una banda con buenas creaciones musicales.
“Little Talks” – Of Monsters and Men (My Head is an Animal, 2011)
Aunque la canción cuenta con un ritmo muy alegre, “Little Talks” es una historia de amor con un final triste. De hecho, retrata la vida de una mujer cuyo esposo falleció, y es una especie de conversación entre los dos. “No sabemos si se está volviendo loca o si alguien realmente está allí. Nos hemos inspirado en personas que vivían en mi casa. Esta vieja pareja que vivió allí durante 30 años. La mujer falleció, por lo que fue algo diferente”, comentó Nanna Bryndís, vocalista del grupo, a Interview Magazine.
“Trying to Be Cool” – Phoenix (Bankrupt!, 2013)
Producido por el fallecido productor Philippe Zdar, Phoenix puso su granito de arena en las canciones de la década con “Trying to Be Cool” –el segundo sencillo de su quinto disco Bankrupt!–, que lo crean o no, habla sobre cómo el líder del grupo, Thomas Mars, lucha por mantener su imagen y dignidad ante el fracaso. “Cuando estás en una banda de rock, te transformas en un héroe, una especie de figura divina. Pero los artistas realmente grandes son más inteligentes que eso … Ser genial es aburrido.”, mencionó a Billboard ese año.
“The Adventures of Raindance Maggie” – Red Hot Chili Peppers (Im’ With You, 2011)
El final de la década terminó con una gran noticia para los fans de los Red Hot Chili Peppers: John Frusciante vuelve a la agrupación luego de 10 años. Y sí, aunque varios seguidores fieles de la agrupación afirman que luego de la salida de Frusciante ya nada volvió a ser lo mismo –musicalmente hablando–, no podemos negar que “The Adventures of Raindance Maggie” se le metió a muchos a la cabeza y se convirtió en uno de los éxitos más conocidos de Anthony Kiedis y compañía.
“Riptide” – Vance Joy (Dream Your Life Away, 2014)
Hace cinco años un joven músico y compositor llamado James Keogh, mejor conocido como Vance Joy, surgió en la industria musical para darle un nuevo aire al indie folk, y lo hizo con “Riptide”, un sencillo de su EP debut God Loves You When You’re Dancing, que enamoró a muchos con el sonido del ukelele que lidera toda la melodía y la letra de ésta, en donde Vance Joy plasmó un viejo amor.
“High Hopes” – Panic! At The Disco (Pray for the Wicked, 2018)
Panic! at the Disco comenzó como una banda en el 2004 y terminó como un proyecto solista de Brendon Urie. Sólo él sabe las dificultades y carencias por las que ha atravesado todos estos años con tal de seguir su sueño de dedicarse a la música. Pues bien, fue justo esas dificultades las que inspiraron “High Hopes”, en la cual Brendon nos da un mensaje claro y conciso: Ponte metas muy altas, lucha, y ve cómo éstas se hacen realidad.
“Pasé demasiado tiempo sin establecer mis expectativas lo suficientemente altas, preocupado por cómo se sentía fallar. Llegué a un punto en que me di cuenta de que tenía que apuntar alto y fallar, fallar, fallar para seguir creciendo. Este es para todos ustedes que me ayudaron a ir por todo. Se los agradezco”, escribió Urie a sus fans cuando lanzó el video oficial de la rola, que por cierto musicalizó el Rewind de YouTube el año pasado.
“Waiting for the End”- Linkin Park (A Thousand Suns, 2010)
“Waiting for the End” fue el himno en el que Linkin Park interpretó, a su manera, sus pensamientos sobre temas como la muerte y las repercusiones de ésta en la vida cotidiana, todo acompañado con ritmos como rap y reggae. Una de las pistas musicales más conocidas de la agrupación estadounidense quien perdió a su vocalista, Chester Benington, en julio de 2017.
“Sweater Weather” – The Neighbourhood (I Love You, 2013)
Jesse Rutherford y su séquito gozan de una fama considerable hoy en día (algo que nos quedó claro acá en México con presentaciones en el Corona Capital y Coordenada, por ejemplo) y mucho de ello comenzó con el lanzamiento de “Sweater Weather”, la cual ocupa un lugar especial en el corazón de los miembros de la banda, por ser la primera canción que escribieron juntos.
“Fue un momento realmente especial y se sintió especial antes de que alguien dijera que era especial. Cuando lo escribimos por primera vez y les mostramos a nuestras familias y algunos amigos que confiamos en su opinión sobre la ciudad o lo que sea, fue una reacción diferente a la que habíamos visto que alguien tenía con nuestra música“, mencionó Rutherford a Schon! Magazine.
“Stolen Dance” – Milky Chance ( Sadnecessary, 2013)
El primer sencillo lanzado de su álbum debut Sadnecessary, esta melodía se lanzó originalmente el 5 de abril de 2013 y se convirtió en el número uno en varios países como Austria, Francia, Bélgica, Suiza, Polonia, República Checa y Hungría. El dúo Milky Chance ha mencionado en varias ocasiones que la letra de “Stolen Dance” se refiere a extrañar el tiempo perdido con alguien a quien amas mucho.
“Bad Girls” – M.I.A. (Matangi, 2013)
A pesar de que esta composición se lanzó en 2013, en realidad es una versión re-elaborada de una rola que apareció por primera vez en el mixtape de MIA, Vicki Leekx, lanzado en 2010. La canción estuvo acompañada de un video donde la cantante aparece en un desierto de Medio Oriente con otras personas vestidas con hijab, y aunque varios afirman que es una crítica a los estereotipos sobre la gente de dichos países, algunos hablan de un himno feminista que empodera a las mujeres a romper los paradigmas impuestos por la sociedad.
“Can’t Feel My Face” – The Weeknd (Beauty Behind the Madness, 2015)
Con una inspiración de Michael Jackson bastante notable, en 2015 el cantante canadiense The Weeknd nos regaló una joya llamada “Can’t Feel My Face”, la cual supuestamente habla sobre lo que uno siente cuando está enamorado de una persona que no le conviene. Eso sí, no vamos a mentir y muchos nos quedamos con la teoría de que en realidad es una metáfora al sentir físico de cuando estás bajo el efecto de las drogas, precisamente de la cocaína.
“Hard Times” – Paramore (After Laughter, 2017)
En 2016 Hayley Williams atravesó por una fuerte depresión, provocada en gran parte por problemas con Paramore y situaciones personales que la sobrepasaron. Su manera de contarle al mundo todos los sentimientos y pensamientos que experimentó durante esos días grises fue a través de “Hard Times”, single de su disco After Laughter, que además de destacarse por el regreso del baterista Zac Farro, también sobresalió por el ritmo ochentero y alegre con el cual Paramore presentó en esta placa discográfica, bastante diferente a sus trabajos anteriores.
“King” – Years & Years (Communion, 2015)
Las relaciones amorosas no siempre son un cuento de hadas y eso lo sabe el trío británico Years & Years. En 2015 lanzaron una movida y poderosa canción llamada “King”, a través de la cual Olly Alexander, líder y vocalista de la banda, nos relata algunas experiencias reales de su adolescencia sobre una relación sentimental frustrada, donde hay manipulación y maltrato emocional, psicológico, y en donde quien la canta sólo expresa su deseo de salir de ese círculo tóxico y vicioso.
“Líricamente, fue escrito en dos etapas diferentes de mi vida. En primer lugar, cuando estaba en una relación y estaba realmente frustrado porque salía con el mismo tipo de persona todo el tiempo y realmente quería que eso se detuviera. Y luego la reescribí nuevamente más tarde, porque estaba en una relación que quería terminar“, dijo Olly Alexander a Shazam en una entrevista.
“Under The Westway” – Blur (2012)
Luego de varios años sin publicar nada, Blur rompió el silencio con “Under The Westway”, una de las piezas más agridulces en la historia de la banda comandada por Damon Albarn, ya que aunque se trató de una de las canciones más tristes y aclamadas por la crítica y los fans gracias a su contenido lírico, también se convirtió en uno de los sencillos menos exitosos de Blur. En fin, suponemos que no se puede tener todo en la vida, ni para el mismísimo Albarn. ¿A poco no?
“The Wire” – HAIM (Days Are Gone, 2013)
Aceptar tus responsabilidades y aciertos en una relación no es para nada fácil, eso lo sabemos todos los que hemos atravesado por esa situación. Sin embargo, las hermanas HAIM hicieron ver que quizá ésto no es tan complicado con un poco de madurez y agallas para decir las cosas. Al menos así lo refleja “The Wire”, en donde las chicas estadounidenses expresan las cosas bien hechas y también, aceptan abiertamente y con orgullo esas donde no lo hicieron como debían. Sin duda deberíamos aplicarla en la próxima ruptura amorosa.
“Work” – Rihanna Ft. Drake (Anti, 2016)
La tercera colaboración de Rihanna con el rapero Drake llegó en 2016 con “Work”. Empapada por el género del dancehall y varios elementos de la música jamaiquina, la cantante originaria de Barbados, presentó esta melodía como un single de su octavo álbum Anti, el cual fue calificado por la revista TIME como uno de los discos de Rihanna en donde más dejaba ver el crecimiento que ha tenido como artista en los últimos años.
“New Rules” – Dua Lipa (Dua Lipa, 2017)
Con un disco debut homónimo cuyas canciones se centran en puntos de vista personales sobre el amor, la pasión y el auto-empoderamiento, Dua Lipa nos dio con “New Rules” una breve pero muy útil guía de todas cosas que debemos hacer para poder superar a un ex novio/a. Un himno que empoderó a más de una a dejar ir, por fin, a ese ex tóxico y de paso, lanzó a Dua Lipa al estrellato, convirtiéndola en una de las promesas jóvenes de la década.
“Levels” – Avicii (2011)
El DJ nacido en Estocolmo se quitó la vida en abril de 2018, dejando un gran hueco en el mundo de la música electrónica, sin embargo, uno de los himnos que nos dejó su legado fue “Levels”, su pieza musical más exitosa en donde el productor sampleó “Something’s Got a Hold of Me” de Etta James, inspirando al cantante Flo Rida a hacerlo poco tiempo después.
“New York” – St. Vincent (Masseduction, 2017)
Usualmente St.Vincent nos tiene acostumbrados a grandes riffs de guitarra o canciones musicalmente estruendosas, fue con “New York” en la que la cantante estadounidense nos mostró su lado más sensible y un poco frágil. Con su voz como única guía y algunos acordes sencillos de piano acompañados de algunos pequeños beats, Annie Clark le canta a una persona que acaba de perder y a quien al parecer, extraña.
“Tilted” – Christine and the Queens (Chaleur humaine/ Christine and the Queens, 2014)
Héloïse Letissier, cantante y autora compositora francesa que es mejor conocida como Christine and the Queens, lanzó en 2014 “Tilted”, no es más que una reinterpretación en inglés de la canción “Christine”, el primer sencillo perteneciente a su EP introductorio estadounidense, Saint Claude, lanzado ese mismo año.
“Miracle Aligner” – The Last Shadow Puppets (Everything You’ve Come to Expect, 2016)
El grupo formado por Alex Turner, Miles Kane, James Ford y Zach Dawes, sorprendió a muchos con el lanzamiento de su segunda placa discográfica Everything You’ve Come to Expect, de 2016. ¿La razón?, que habían pasado ocho largos años desde la publicación de su último LP.
De esta placa se desprende “Miracle Aligner”, repleta de ritmos suaves y cautivadores donde hablan de un hombre que es tan bueno y talentoso en lo que hace, que al final eso termina jugándole en contra con las mujeres con las que sale. De hecho, la canción relata cómo el sujeto intenta convencer a su enamorada que confíe en él, pues es capaz de cumplir con sus más profundos y alocados sueños.
“Cranes in the Sky” – Solange (A Seat at the Table, 2016)
La familia de Beyoncé trae el talento en los genes y prueba de ello es Solange, la hermana menor de la famosa cantante que en 2016 lanzó su tercer álbum A Seat at the Table, de donde se desprende el sencillo “Cranes in the Sky”, una canción donde la artista habla de sus intentos por evitar momentos dolorosos en su vida, ya sea yendo de compras, a beber, bailar, o cualquier cosa que la mantenga con la mente ocupada.
La melodía fue creada luego del rompimiento de Solange con su entonces esposo Daniel Smith, padre de su hijo Daniel Julez, y quien fue su pareja sentimental durante varios años. Al final no todo fue malo para la cantante, ya que esta canción le hizo ganar un Grammy por ‘Mejor interpretación de R&B’ en el 2017.
“Dancing On My Own” – Robyn (Body Talk, 2010)
Una joya musical en toda la extensión de la palabra. Inspirado en himnos tristes y melancólicos que sonaban en las discotecas por artistas como Ultravox , Sylvester y Donna Summer, la cantante sueca Robyn decidió hacer su propia versión para darle un himno a todos aquellos que alguna vez se han topado a algún ex en el antro acompañado de otra persona, quienes seguramente no la pasaron demasiado bien bailando solitos (de ahí el título) y con el corazón destrozado.
No cabe duda de que la década que se va, nos ha regalado varias canciones dignas de recordarse. ¿Cuáles fueron sus favoritas? ¿Cuáles agregarían o quitarían de la lista?
