El fin de 2019 también representa el cierre de una década, la cual se definió a partir de los cambios en el discurso de todas las industrias, incluida la del cine. Cuando creímos haberlo visto todo (considerando que un par de años antes arrancaron las enormes producciones del MCU y James Cameron, en 2009, había liberado la película más taquillera en la historia), comenzaba una nueva etapa en el entretenimiento que nos preparó para los distintos giros como el reinado del streaming, la manera en la que ahora se hacen y se consumen las películas, y el hecho de que ahora los estudios se discuten, casi en cuestión de meses, el primer lugar en el blockbuster internacional (no se sorprendan cuando lleguemos a los 4 mil millones).
Así que sí, en 10 años, de 2010 a 2019, las cosas han cambiado bastante, y aunque podamos pensar que no para bien, en realidad ha sido una ventana de oportunidades en cuanto a la reinvención de géneros, el regreso de historias que creíamos sólo podían vivir en el pasado, y el cine como una manifestación de las realidades en el mundo que, de buena fortuna, no olvida que uno de sus primeros objetivos también es sacarnos una sonrisa de emoción y felicidad en medio de una sala oscura.
Para abrir una enorme conversación de esas “oportunidades”, hemos de mencionar las 100 películas más importantes de la década, aquellas que impactaron la cultura popular y la definieron con nuevas reglas, las nuevas propuestas (esas cintas con las que estás seguro nunca habías visto algo igual) que nos emocionaron, las que generaron mayor conversación y las que nos hacen, simplemente, amar el cine.
Nota: No se trata de un ranking, sino de un listado “aleatorio” que no pretende calificar las películas, sino hablar de ellas de cualquier forma.
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The Lobster (2015)
El amor, la mayoría de las veces, puede ser enfermizo, pero eso no siempre se refleja en la pantalla grande por la necesidad de las audiencias de ver una historia de amor que funcione con lo que aspiramos. La excepción a la regla es The Lobster de Yorgos Lanthimos, una comedia negra donde el futuro para el amor de pareja es horrible, demasiado horrible empezando porque la palabra amor se erradica de todo el mapa…
Esta cinta nos presenta un escenario en el que las personas que no tienen pareja (bajo cualquier circunstancia como viudez o divorcio), son llevadas a un hotel para que en poco más de 40 días, consigan una. Si no lo logran, los convierten en un animal de su elección. Para ganar más días en el hotel, les dan la oportunidad de salir a cazar “solteros” que escaparon del hotel.
Así es como conocemos a David, un hombre que logra escapar y se enamora de una mujer con problemas de vista por la que debe sacrificar sus sentidos, en un sentido literal, para estar con ella. Lanthimos, en su primera producción en Hollywood (y no el que estamos pensando), logró cautivar a una selecta parte de sus audiencias que supieron ver en su cine en inglés, lo que había logrado con su cine griego.
El abrazo de la serpiente (2015)
En 2016, El abrazo de la serpiente de Ciro Guerra estuvo nominada al Oscar en representación de Colombia. No ganó, pero quedó claro el potencial del cine colombiano que dio frutos, una vez más, en 2019 con Pájaros de verano. El abrazo de la serpiente, filmada en blanco y negro, es un ejercicio fílmico que navega entre la locura y la genialidad de sus personajes y el director.
El filme está protagonizado por un chamán del Amazonas que realiza una especie de viaje iniciático en dos tiempos distintos: principios del siglo XX y durante la Segunda Guerra Mundial. En ambas, el chamán acompaña a dos hombres blancos en un busca de una planta sagrada que, de acuerdo a las tradiciones, es capaz de curar la muerte (ayuda a soñar, lo que la convierte en una droga recreativa). La película toca dos premisas grandes: la occidentalización y el imperialismo, y la desaparición de tribus y culturas milenarias.
Inside Llewyn Davis (2013)
Los hermanos Coen debían aparecer en esta lista, y no hay mejor película que Inside Llewyn Davis protagonizada de manera magistral por Oscar Isaac como un músico que explora su propia soledad en la década de los 60. Después del suicidio de su compañero, y el hecho de que su último disco no sale a la venta, Llewyn Davis comienza a dormir en los sillones de algunos amigos en Nueva York donde se encuentra con distintas personas interpretadas por Carey Mulligan, John Goodman, Adam Driver, Garrett Hedlund y hasta Justin Timberlake.
Es una película que se podría describir como sombría, y que a pesar que no cuenta con el trabajo de Roger Deakins (Sin lugar para los débiles) en la fotografía, logra sobresalir de la filmografía de los Coen por sus diálogos, el humor que maneja cada uno de los personajes (sobre todo John Goodman) y la forma en que explora la depresión a través de la música folk, lo cual lo hace más interesante y emocional.
High Life (2018)
Las posibilidades de la literatura y el cine son enormes. Por eso, la ciencia ficción no es sinónimo de tecnología, máquinas y ciencia, sino de biología y naturaleza humana, y en el caso de High Life de Claire Denis, está representada con semen, leche materna, sangre y sexo. Se trata de su primer largometraje en inglés protagonizado por Robert Pattinson, Juliette Binoche, Mia Goth, André Benjamin (André 3000) y Lars Eidinger.
La película sigue a un grupo de prisioneros, sentenciados a muerte, que son enviados al espacio para investigar la extracción de energía en un campo gravitatorio, el cual está relacionado con un agujero negro. Es un viaje sin regreso, van a morir. Los protagonistas son Monte, Boyse y la doctora Dibs, esta última realiza experimentos de reproducción cuyas consecuencias se suman al efecto de aislamiento y biológicos de llegar a zonas inexploradas en las que el cerebro se dirige a las acciones más básicas.
Her (2013)
El amor es amor en cualquiera de sus formas. Las relaciones humanas son complicadas, y son más difíciles conforme las tecnología entra en nuestras vidas. Ahora bien, ¿qué será de las relaciones entre humanos y máquinas?, ¿podría darse una relación amorosa entre estos dos? Esta pregunta no se responde, pero plantea distintas aristas a través de Her de Spike Jonze con Joaquin Phoenix como Theodore, un sujeto que comienza a tener una relación amorosa con un sistema operativo (inteligencia artificial) llamado Samantha.
Theodor acaba de terminar una larga relación con su esposa y está deprimido, pero encuentra el amor en una voz sensual interpretada por Scarlett Johansson que mientras más se conecta con ella (como si llevara su relación a otro nivel), más humano se comporta. El punto de quiebre llega cuando Samantha le sugiere un encuentro sexual a través de una prostituta, pero no tanto a favor de acercarse uno al otro como suele suceder en la “vida real”, sino más como para experimentar sensaciones pasionales que van más allá de una descripción en línea del amor y el placer.
Amour (2012)
A veces, los actos de amor más grandes son los que más duelen. Vivir es uno de ellos, y ver agonizar al amor de tu vida también. Estas dos forman parte de la historia de Amour de Michael Haneke, película que estuvo nominada como Mejor Película y Película Extranjera, entre otros, recibiendo este último galardón. Amour es una reflexión trágica, porque lo es, del verdadero significado y la realidad de envejecer y morir.
George y Anne son un matrimonio que ha envejecido unido, y se fortalece (aunque no lo parezca) cuando Anne es intervenida de emergencia y no sale bien del quirófano. Tiempo después, su condición empeora cuando es incapaz de moverse y articular palabras. Bajo la promesa de no dejarla en una clínica, George se convierte en su enfermero, quien llega al punto de la desesperación cuando Anne deja de comer o se intenta suicidar.
La escena final de la cinta, emocional y perturbadora, es una de las más complejas de los últimos años en cuanto a analizar los límites del amor, el amor puro, los cuales son marcados sólo con la muerte de uno de los implicados.
Zero Dark Thirty (2012)
En mayo de 2011, Osama bin Laden murió después de una operación ultrasecreta llevada por las tropas de Estados Unidos. Después de años de investigación de la CIA, lograron dar con el paradero del fundador de Al Qaeda, quien fue abatido, y cuyas evidencias fueron destruidas por motivos de seguridad nacional. Zero Dark Thirty de Kathryn Bigelow muestra el proceso de investigación de Maya, una agente que pasó casi 10 años investigando solamente la ubicación de bin Laden.
La película fue calificada como una de las mejores del año gracias a que no hay sentimentalismos, ni siquiera tiene la intención de mostrar el típico aspecto americano de salvación, sino la pérdida de humanidad por parte de personajes que son absorbidos por un objetivo único. Otra de las cualidades de esta cinta, nominada a varios premios Oscar, es la presentación de realidades negadas como la tortura.
Kaze Tachinu – Se levanta el tiempo (2013)
El nombre de Hayao Miyazaki, desde hace algunos años, se convirtió en sinónimo de éxito no sólo en Japón, sino en Occidente. Y sus méritos van más allá, pues estamos hablando de producciones animadas, algo que Occidente ha sabido cautivar muy bien desde hace décadas. Por eso, en esta lista aparece Kaze Tachinu, película de Studio Ghibli que tiene como protagonista a Jiro Horikoshi, un ingeniero aeronáutico brillante que diseñó los aviones de combate Zero, con los cuales Japón atacó Pearl Harbor en la Segunda Guerra Mundial.
La cinta no pretende ser, a diferencia de muchas películas de la época, una declaración de victimización por parte de Oriente, sino todo lo contrario. Una conversación en torno a los valores humanos y el amor y a las cosas de un país, no necesariamente su gobierno. También habla de la unión entre seres humanos ante desastres provocados por la naturaleza, pero sobre todo por seres humanos.
Hereditary (2018)
Esta no es una película de terror como cualquier otra. Es una reinvención del género, producto de la mente de Ari Aster junto a Toni Collette. Ella interpreta a Annie, madre de sus hijos y esposa. Cuando muere su madre, la matriarca de la familia Graham, comienzan a suceder cosas extrañas en relación a su hija Charlie. Mientras la mitad de la película busca una manera de interpretar el dominio de la difunta anciana, la segunda revela toda la verdad.
Sí, es una película de terror con una historia sobrenatural, pero que le da la vuelta en todos sus sentidos. Desde el guión, la narrativa y la fotografía, hasta la forma en que los personajes perciben el miedo; es decir, en sí mismos. Hereditary de A24 no logró colarse de ninguna forma a los premios Oscar, pero vaya que merecía algunas menciones como la actuación de Collette, quien aterroriza a sus espectadores al mismo tiempo que su personaje lo hace.
You Were Never Really Here (2018)
Lynne Ramsay es uno de los nombres femeninos más fuertes en la industria del cine, y en 2018 confirmó su lugar con You Were Never Really Here junto a Joaquin Phoenix. El actor da vida a Joe, un exagente adicto a los calmantes con estrés postraumático– provocado por una infancia llena de violencia y abusos, y los recuerdos no muy claros de actos inhumanos mientras sirvió para el gobierno. La historia comienza cuando un hombre poderoso lo contrata para rescatar a su hija de unos tratantes de blancas, sumiéndose en un entorno brutal en el que no hay tregua, y en el que sale perdiendo más allá de lo que puede resultar evidente como lo es su equilibrio emocional.
Es una cinta fuerte al estilo de Ramsay, pero que justifica episodios violentos y trata la humanidad, incluso, de alguien que ha llevado al límite su cuerpo y mente a través de la violencia. Phoenix, en el papel de Joe, se distingue de entre sus demás trabajos al entender un personaje real con el cual sentimos cierta empatía y, para el final, nos reconciliamos.
I Am Not A Witch (2017)
I Am Not a Witch es el debut de Rungano Nyoni después de algunos cortometrajes que fueron bien recibidos por la crítica internacional. Y no hubo excepción con esta cinta, la cual está protagonizada por Shula, una niña de 8 años que llega sola a una aldea en Zambia. Su repentina llegada y algunas coincidencias en cuanto a su presencia, hacen que los aldeanos la acusen de ser una bruja.
De este modo, Shula debe enfrentar dos posibles destinos: cortar un cordón blanco y convertirse en una cabra (que servirá de alimento) o asumirse como una bruja. Shula decide no cortar el cordón, lo cual la convierte en una especie de objeto de circo donde los turistas toman fotos y la “rentan” para que sucedan cosas. I Am Not a Witch fue aplaudida por las distintas narrativas que asume Nyoni en la historia; es decir, va de una sátira que analiza la misoginia de un país de tercer mundo, las tradiciones apegadas a la historia, hasta una comedia negra sobre las mujeres.
Spotlight (2015)
Tom McCarthy pasó de ser actor a director, y vaya que acertó, y la prueba máxima es Spotlight, y no necesariamente como un cineasta que domina lo visual, sino por la manera tan directa en que cuenta sus historias, en este caso, demasiado real. Esta cinta nos presenta la investigación del Boston Globe y su grupo llamado Spotlight, el cual desenmascaró años de abusos sexuales por parte de sacerdotes a niños, muchos de ellos protegidos por el mismo Vaticano.
Sin embargo, lo más desafiante de Spotlight fue exponer a la misma comunidad, la cual fue testigo, pero decidió guardar silencio por años en medio de un estilo de vida dictaminado por la Iglesia Católica. La cinta está protagonizada por Mark Ruffalo, Michael Keaton y Rachel McAdams junto a Liev Schreiber, Brian d’Arcy James, John Slattery y Stanley Tucci como el abogado defensor.
The Revenant (2015)
Alejandro González Iñárritu llegó a lo más alto de la industria del cine en 2015 con el estreno de The Revenant, la cual se llevó varias nominaciones a los premios de la Academia, y le dio a Leonardo DiCaprio su primer premio Oscar como actor. Aquí interpreta a Hugh Glass, un explorador que durante una expedición, atraviesa distintos obstáculos de sobrevivencia como la muerte de su hijo, el ataque de un oso y la persecución de un “enemigo”.
La película es abrumadora, algo que se potencia con el trabajo de DiCaprio junto a Tom Hardy, quienes mantienen una rivalidad a lo largo de película que no intenta descifrar la relación entre ambos, sino revelar la lucha de un humano contra absolutamente todo. La película recibió críticas positivas por parte de la prensa especializada e Iñárritu se llevó las palmas por su trabajo en la dirección, producción y guión.
The Irishman (2019)
Después de una película de “bajo perfil” como lo fue Silence de 2016, Martin Scorsese volvió a lo más alto de su carrera con The Irishman, y lo hizo junto a uno de sus compañeros y colaboradores más fieles, Robert De Niro. Pero no sólo fue él, sino también Joe Pesci, quien colaboró con ambos en dos de sus más grandes cintas, Goodfellas y Toro Salvaje.
The Irishman nos presenta a Frank Sheeran, un sujeto que comenzó a trabajar para la familia de los Bufalino, hasta convertirse en uno de los líderes sindicales más poderosos del país, esto de la mano de Jimmy Hoffa, el mayor transportista del país. La desaparición de Hoffa, en relación a Sheeran, ha sido uno de los temas más controvertidos en la historia moderna de Estados Unidos. La fotografía corrió a cargo del mexicano Rodrigo Prieto, la cual se define por el uso de tecnología de ageing aplicada a De Niro.
La gran belleza (2013)
Esta es considerada la mejor película de Paolo Sorrentino a la fecha, y esto no se discute, pues La gran belleza le rinde honor a su nombre en cada uno de los aspectos de su producción, especialmente en la fotografía y los diálogos que son llevados por el personaje de Jep Gambardella, interpretado por Toni Servillo.
También se ha interpretado este filme como la decadencia de la sociedad romana, pero va más allá de eso: trata de dejar atrás la superficialidad con la que ha vivido por más de 60 años para comenzar una búsqueda de la verdadera belleza, el amor.
Eighth Grade (2018)
Eighth Grade de Bo Burnham fue una de las películas más reveladoras de 2018, en parte por la historia y el tratamiento que se le da a las redes sociales, y la actuación de Elsie Fisher como Kayla, una niña que está a punto de terminar la primera para adentrarse a la secundaria.
Se trata de una reflexión sobre la juventud que nació en el nuevo milenio, aquella que desconoce la vida sin internet, y más abrumador aún, las redes sociales. Kayla vive una “doble vida” donde tiene un canal donde sube videos hablando de su vida, la cual no está relacionada al éxito social, ni tantito. Lo mejor de Eighth Grade es que se trata de una nueva forma de explorar la juventud y los problemas que han atravesado los últimos años, como ansiedad y depresión, en relación a la presión social y la búsqueda de fama y perfección.
John Wick (la trilogía de 2014, 2017 y 2019)
La grandeza del universo de John Wick está muy lejos del storytelling y se centra, naturalmente, en su destreza visual y sonora. Con el paso del tiempo y el desarrollo de su universo, no se hace más cansado y más repetitivo, sino que logra superarse a sí mismo hasta llegar a una tercera película que se desborda en acción, balas, sangre, cuchillos, bailes, americanismos, chistes y diversión.
La trilogía de John Wick, sobre todo la tercera entrega bajo el nombre de Parabellum, es una de las mejores películas de acción porque entiende que su encanto reside únicamente en sus visuales, en el dominio de los escenarios en los que se pelea, en el actor que debe aprenderse una coreografía y en el sonido penetrante de un puñetazo, un cuchillo en el aire y la respiración de quien está a punto de perder la vida.
Son of Saul (2015)
Esta película húngara se llevó el Oscar a Mejor Película Extranjera y estuvo nominada para la Palma de Oro en Cannes. Bajo la dirección de László Nemes, Son of Saul es una película de la Segunda Guerra Mundial y sobre un grupo de prisioneros judíos en Hungría que se levantan en armas contra los nazis.
Saul Ausländer es uno de ellos, pero todo cambia cuando encuentra el cadáver de un niño, al que considera su hijo, y por el que debe atravesar distintos peligros para darle un entierro adecuado conforme a las tradiciones judías y evitar, de esto modo, que se consumido en los hornos de los campos de concentración.
Annihilation (2018)
Annihilation es una película compleja, finalmente es un filme Alex Garland, responsable de una película de culto como lo es Ex Machina. Annihilation cuenta la historia de Lena, un veterano que ahora es profesora de biología, quien está esperando a que su esposo, el sargento Kane, regrese de una misión misteriosa. Después de un año de ausencia, Kane regresa y cae en coma sin razón alguna.
De este modo, Lena, en compañía de puras mujeres científicos, entra al Área X, una enorme zona donde sucede un extraño fenómeno y al cual Kane entró a investigar, y que podría estar relacionado con su situación médica. Se dan cuenta conforme avanzan, que la capa que las cubre, denominada shimmer, absorbe el ADN de las cosas y las integra en todos los seres vivos. Es una obra de horror en la que los seres vivos, los humanos, se consumen en un ambiente etéreo y onírico con una belleza sin precedentes.
Shoplifters
Hirokazu Kore-eda es uno de los directores japoneses más destacados a nivel internacional y Shoplifters es la prueba. Esta cinta nominada se llevó la Palma de Oro en Cannes 2018, y llegó a los Oscar como una tercera opción en la categoría de Película Extranjera.
Shoplifters es una película de realidades, y aquí es donde radica su importancia. La película nos presenta a una familia pobre que se dedica a robar artículos de tienda. Toda su vida cambia cuando se encuentran, en el frío de invierno, a una pequeña niña con señales de abuso. La llevan a su casa para compartir comida, pero nunca la regresan. De este modo, comienza una búsqueda nacional de la niña que pone a prueba la unión familiar.
Se trata de un drama familiar que muchas veces se ha visto en el occidente, pero que ahora se reinventa con la presencia del estilo fílmico japonés y las tradiciones de oriente que siempre hemos visto en las películas de Hirokazu Kore-eda.
Gone Girl (2014)
Ben Affleck se puso al servicio de David Fincher y vaya que acertó en una época caótica para él en cuanto a su vida laboral. En 2014 se estrenó Gone Girl, una adaptación de la novela homónima sobre la desaparición (supuesto asesinato) de Amy en manos de su esposo Nick. Después de algunos años de mal matrimonio, o de indiferencia por parte de Nick, Amy decide desaparecer, pero culpando a su esposo.
La opinión pública y la prensa se pone de lado de Amy hasta que algunos detalles del suceso y su vida privada comienzan a revelarse, cuestionando la culpabilidad de Nick. De este modo, Amy decide regresar en una manera que afectará a ambos para siempre. Se trata de un thriller que es interesante a partir de que tiene dos interpretaciones: la versión de Amy, por un lado, y la versión de Nick del otro.
The Master (2012)
Con pocas películas, Paul Thomas Anderson ha logrado construir un nombre importante en el cine, y una de esas cintas que lo catapultaron fue The Master en 2012 junto a Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman y Amy Adams. Esta cinta, ambientada en los 50, sigue la historia de Freddie Quell (Phoenix), un veterano de guerra con distintos traumas que se encuentra en un impasse.
Su vida cambia cuando conoce a Lancaster Dodd, líder de una secta que mezcla distintos elementos, y su esposa Peggy Dodd. La familia y La Causa, como se le conoce a su filosofía, “adoptan” a Freddie de muchas maneras: como su guardaespaldas, asistente, creador de bebidas caseras y como sujeto que forma parte de su movimiento. The Master no es una película convencional e incluso es complicada. Una de las escenas más memorables es cuando Freddie y Dodd realizan un ejercicio de La Causa en la que debe responder preguntas personales e íntimas sin parpadear y sin chistar.
Arrival (2016)
Arrival de Denis Villeneuve es una de las películas más complejas en su estructura, y no estamos exagerando. Pero es esa necesidad de reflexionar en la historia y su personaje principal, lo que la hace tan grandiosa. Acá conocemos a la doctora Louise Banks, una lingüista que es contratada por el ejército de Estados Unidos para establecer contacto con unos alienígenas que llegaron a la Tierra. Junto a ella también aparece un físico teórico llamado Ian que podría establecer contacto con ellos a través de los números.
Estos seres, su sistema, se basa en círculos que se distinguen por algunos patrones como si fueran ramificaciones. Con el paso del tiempo y conforme más se entienden, Louise descubre que entender su lenguaje, es un regalo: le da la capacidad a quien lo entienda, de percibir su realidad no de forma lineal, sino circular, es decir, interpretar el pasado y el futuro, saber qué va a suceder en la vida de principio a fin. Amy Adams y Jeremy Renner dan vida a los dos personajes principales.
Django Unchained (2012)
Decidir cuál de todas las películas de Quentin Tarantino es la mejor, es algo complicado. Sin embargo, en lo que todos o la mayoría podemos coincidir, es que cada uno de sus personajes se han convertido en parte de la cultura pop, y Django en Django Unchained no fue la excepción. Después del éxito de Inglourious Basterds, Tarantino se lanzó con un western protagonizado por Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio y Kerry Washington.
Aquí conocemos a Django, un esclavo que es liberado por el doctor Schultz, un cazarrecompensas que está en busca de unos criminales en el sur del país. Cuando Shultz conoce la historia de Django y su esposa, decide ayudarlo a liberarla para él, después, también ser libres. Nuevamente, la música y el guión fueron los dos aspectos más destacados de esta cinta que se llevó dos premios Oscar, el de Mejor Guión Original y Actor de Reparto.
The Wolf of Wall Street (2013)
Martin Scorsese lleva 50 años haciendo cine, y una de las películas donde mostró más su experiencia y maestría, fue en The Wolf of Wall Street junto a uno de sus favoritos (su Robert De Niro del nuevo milenio), Leonardo DiCaprio para presentar la vida de Jordan Belfort y su ascenso a lo más alto de la bolsa en Estados Unidos. Belfort fue un multimillonario que formó parte de distintos fraudes en firmas de la bolsa y que fueron investigados por el FBI.
The Wolf of Wall Street es brillante en todas sus formas, pero las actuaciones de DiCaprio, Jonah Hill y Margot Robbie, son de lo más destacado en esta cinta. Se trata de una película de excesos basada en la cultura de la fiesta de la década de los 90 que incluían drogas y sexo con prostitutas. Se trata de una memoria criminal que va más allá de la idea moral de que todo lo que se hizo está mal. Scorsese logró darle un giro de 180 grados al mostrar la diversión detrás de la decadencia y el camino que todos, inevitablemente, hemos de tomar hacia el éxito.