El fin de 2019 también representa el cierre de una década, la cual se definió a partir de los cambios en el discurso de todas las industrias, incluida la del cine. Cuando creímos haberlo visto todo (considerando que un par de años antes arrancaron las enormes producciones del MCU y James Cameron, en 2009, había liberado la película más taquillera en la historia), comenzaba una nueva etapa en el entretenimiento que nos preparó para los distintos giros como el reinado del streaming, la manera en la que ahora se hacen y se consumen las películas, y el hecho de que ahora los estudios se discuten, casi en cuestión de meses, el primer lugar en el blockbuster internacional (no se sorprendan cuando lleguemos a los 4 mil millones).

Así que sí, en 10 años, de 2010 a 2019, las cosas han cambiado bastante, y aunque podamos pensar que no para bien, en realidad ha sido una ventana de oportunidades en cuanto a la reinvención de géneros, el regreso de historias que creíamos sólo podían vivir en el pasado, y el cine como una manifestación de las realidades en el mundo que, de buena fortuna, no olvida que uno de sus primeros objetivos también es sacarnos una sonrisa de emoción y felicidad en medio de una sala oscura.

Para abrir una enorme conversación de esas “oportunidades”, hemos de mencionar las 100 películas más importantes de la década, aquellas que impactaron la cultura popular y la definieron con nuevas reglas, las nuevas propuestas (esas cintas con las que estás seguro nunca habías visto algo igual) que nos emocionaron, las que generaron mayor conversación y las que nos hacen, simplemente, amar el cine.

Nota: No se trata de un ranking, sino de un listado “aleatorio” que no pretende calificar las películas, sino hablar de ellas de cualquier forma. Habrá un listado de películas mexicanas aparte. 

Only Lovers Left Alive (2013)

Las historias de vampiros dividen opiniones entre el público. Desde la salida de Crepúsculo, la imagen cambió completamente en la industria del cine… hasta que llega alguien como Jim Jarmusch con una película como Only Lovers Left Alive protagonizada por Tilda Swinton y Tom Hiddleston. La película nos presenta a Eve y Adam, vampiros de más de dos mil años que viven enamorados a pesar de la distancia, pero sobre todo el tiempo en una historia de romántica (en el sentido más literal de la palabra) en la que vemos personajes icónicos y adorables como Christopher Marlowe, interpretado por John Hurt). 

La fotografía de esta cinta corrió a cargo de Yorick Le Sax, quien logra capturar la esencia vieja de sus personajes en lugares completamente distintos. Su trabajo es tan extraordinario, así como el guión de Jarmusch, que el público logra entender la fascinación uno de otro en un mundo que no los comprendería, pero que se ven obligados a vivir… amándose. 

La tribu (2014)

En 2014, Myroslav Slaboshpytskyi lanzó La tribu, película ucraniana que recibió la atención de la crítica al no presentar diálogos hablados entre sus protagonistas, pues todos son sordos y se comunican con lengua de señas ucraniano. Sin embargo, la historia es tan potente, que no son necesarios, ni siquiera subtitulados. 

La tribu sigue a Sergey, un adolescente que entra a un instituto para gente sorda donde se encuentra con un grupo criminal que dirige la escuela, desde bullying y robos hasta prostitución de sus compañeras. Todo se complica cuando se enamora de una de las chicas que debía prostituir en las noches, y a quien quiere salvar de la decadencia de una escuela sometida por la violencia. 

Adiós al lenguaje (2014)

La nouvelle vague del cine francés tiene nombre y apellido, y es Jean-Luc Godard. Este director, desde la década de los 60, comenzó a hacer un cine vanguardista que se define por su narrativa revolucionaria y la conjugación de tres vertientes: el amor, la cultura y la política. En 2014, Godard a sus 84 años liberó Adieu au Langage, un ensayo fílmico y metafórico que utiliza fragmentos de sonidos e imágenes para contar una historia que no puede ser continua, al menos no de la forma tradicional. 

Hay personajes y una historia base: una mujer casada, su esposo, un soltero y un perro. Todos ellos, en ritmos poco constantes, reflexionan sobre la pobreza y los distintos contextos sociales y su influencia en el lenguaje, la palabra, el mensaje y, al final, en el “no hay nada qué decir”, ni siquiera en el cine. 

Melancolía (2011)

Lars von Trier es un director que divide opiniones a través de su cine, y Melancolía de 2011 no fue la excepción. Esta cinta, protagonizada por Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg, nos presenta a Justine y Claire, dos hermanas completamente distintas que se encuentran a la espera que el planeta Melancolía colapse contra la Tierra y termine con todo. La película, dividida en dos capítulos, nos muestra a Justine, una mujer con tendencia a los problemas que después de caer en una fuerte depresión, se va a vivir con su hermana, esposo e hijo.

La película, visualmente, destaca por la secuencia inicial y final de imágenes en cámara lenta en representación de un sueño. El filme arranca con escenas de los protagonistas en este formato, musicalizadas por el preludio de Tristan und Isolde del primer acto. 

Capernaum (2018)

Esta película de 2018 de origen libanés, fue una de las más destacadas del año a nivel internacional por diversas razones. Primero, por la presencia de la directora Nadine Labaki, y en segundo lugar, por la historia misma. Capernaum (Cafarnaúm) nos presenta a Zain, un niño que vive en un lugar marginal de Líbano junto a sus padres y hermanas. Zain no va a la escuela porque debe trabajar junto a Sahar, una de sus hermanas que acaba de tener su menarca, razón por la cual es ofrecida al hombre que dirige la tienda del lugar (mucho mayor que ella). 

Zain decide huir de su complicada vida y sobrevivir solo hasta que se encuentra con una inmigrante etíope que le da una casa a cambio de que cuide de su hijo. Cuando esta es arrestada, Zain debe hacerse responsable del bebé y descubrir lo que ha sucedido con su familia y Sahar. Es una película dramática que refleja las distintas realidades de la pobreza y la explotación infantil, así como otros problemas sociales como la migración, matrimonio infantil, violencia y más. 

Inception (2010)

Sin duda, Inception es una de las mejores películas no sólo de la década o de la filmografía de Christopher Nolan, sino también en la historia del cine. El origen, como también se le conoce en español, salió en 2010 de la mano de Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Michael Caine, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Cillian Murphy y más. La película, la cual pertenece al género de drama ciencia ficción, nos presentó a Dom Cobb, un sujeto especializado en entrar en la mente de las personas, en sus sueños, para robarles ideas o implantarlas. De este modo es contratado por Saito, un magnate japonés dentro de la industria de energía, para implantar una idea a Robert Fischer, heredero de la compañía que representa la única competencia directa de Saito. 

Inception es un thriller de suspenso que navega entre la realidad y los sueños en una compleja estructura que nos lleva a dos de los temas más recurrentes de Nolan: la memoria y el tiempo. La película también es asombrosa en sus efectos especiales, los cuales muestran cómo los sueños no tienen límites en cuanto a los conceptos humanos conocidos. 

Spider Man: Into de Spider Verse (2018)

Esta cinta de 2018 llegó para cambiar las reglas del juego dentro del mundo de la animación. Primero porque logró llevarse el Oscar en 2019 frente a dos fuertes contendientes: Los increíbles 2 en representación de Pixar e Isla de perros de Wes Anderson. Pero fue una decisión justa en muchos de sus aspectos como la animación, edición y sonido, pero sobre todo por la historia.

Spider Man: Into de Spider Verse tiene como protagonista a Miles Morales, un niño que después de ser mordido por una araña radioactiva, adquiere los poderes de Spider Man al mismo tiempo que descubre una especie de acelerador de partículas que le permite entrar a universos paralelos y encontrarse con un nuevo Spider Man. 

Amy (2015)

Amy Winehouse murió el 23 de julio de 2011 a los 27 años, y antes de morir, ya era una leyenda de la música que jugaba entre la controversia por su consumo desmedido de drogas y alcohol, y el talento que la llevó en 2015 a convertirse en el centro de un documental. Amy de Asif Kapadia se distingue de otras investigaciones sobre la cantante al retratar la vida de la cantante desde que era una niña, hasta que su nombre se convirtió en un referente del blues.

A través de videos caseros e imágenes, conocemos a una Amy Winehouse que nunca descubrimos a través de su imagen, pero sí de su música. Este documental fue uno de los más aplaudidos en 2015, e incluso se llevó el Oscar en la categoría de Mejor Documental. 

First Reformed (2017)

Paul Schrader es un referente del cine. Es responsable de escribir historias imponentes como la de Taxi Driver y Toro salvaje, ambas de Scorsese. Quizá su faceta como director no sea tan conocida, pero en 2017/2018 sorprendió a todos con el lanzamiento de First Reformed, producida por A24 y protagonizada por Ethan Hawke. Esta cinta, escrita por el mismo Schrader, nos presenta al pastor Toller, líder de una pequeña iglesia (reformada), que tiene problemas de alcohol y soledad. 

Un día, una mujer embarazada llamada Mary, lo contacta para que hable con su esposo, un fanático medioambientalista del que temen pueda hacer daño o hacerse daño a favor de presentar su causa. Esta relación comienza a abrir varias heridas del pasado de Toller que se relacionan con la crisis humanitaria, de valores y de fe en todo el mundo en relación al pasado, y el futuro de los individuos. 

Mad Max: Fury Road (2015)

Cuando se estrenó Mad Max: Fury Road en 2015 bajo la lente de George Miller, fue toda una sorpresa tanto para el público como para la crítica, incluso la misma Academia. La película recibió 10 nominaciones a los Oscar, de los cuales se llevó seis en categorías técnicas, pero que le dio un estatus inmediato de culto. 

Como parte de la franquicia de Mad Max, esta entrega reintegra a Max Rockatansky (Tom Hardy), un sujeto solitario que vaga en un mundo postapocalíptico en el que escasea el agua y la gasolina. En su camino se encuentra a Imperator Furiosa, una guerrera que libera a las novias de Immortal Joe, razón por la cual es perseguida por los War Boys en una lucha de supervivencia sin precedentes. 

Ex Machina (2014)

Alex Garland es un cineasta que si bien entró a la industria como guionista, comenzó también su carrera como director… y lo hizo con mucho éxito en su debut titulado Ex Machina, una cinta de ciencia ficción protagonizada por Alicia Vikander, Oscar Isaac y Domhnall Gleeson. Escrita y dirigida por él, Ex Machina nos presenta a Caleb Smith, empleado de Bluebook, empresa líder en tecnología fundada por Nathan. Caleb “gana” un concurso interno en el que tiene la posibilidad de ir al centro de investigación privado de Nathan donde descubre lo que está en desarrollo: AVA, una robot de inteligencia artificial que es capaz de crear empatía y un vínculo sentimental. 

Los efectos especiales fueron aplaudidos por la Academia, llevándose el Oscar en esta categoría. El recibimiento de esta cinta le dio a Garland la oportunidad de abrir una puerta en la ciencia ficción, la cual dio resultado en 2017 con Annihilation

Under the Skin (2014)

En 2014 cuando Jonathan Glazer lanzó Under the Skin, la mayoría de las audiencias quedaron confundidas, pero al mismo tiempo consideraron que la película era una de las mejores del año por sus cualidades visuales y la estructura de su historia. Esta cinta arranca con detalles visuales que parecen no tener concordancia alguna, pero todo cobra sentido cuando descubrimos a la protagonista, un alien en forma de mujer (Scarlett Johansson) que es enviada a la Tierra para seducir y asesinar hombres. Sin embargo, en su camino, se encuentra con complejos comportamientos y emociones humanas que la “infectan” como la lástima, la ternura, el ritmo de la música, el sexo, miedo, entre otras cosas. 

Under the Skin es un tratado interesante sobre la belleza y la superficialidad del término, es decir más allá del atractivo físico y lo que hacemos los humanos para procurarla. La actuación de Johansson es uno de los puntos más destacados de este filme, así como los recursos metafóricos para potenciar la historia como la música. 

We Need to Talk About Kevin (2011)

Lynne Ramsay es una de las directoras más destacadas de los últimos años, y la prueba máxima de ello es We Need to Talk About Kevin de 2011, filme protagonizado por Ezra Miller y Tilda Swinton que retrata la relación entre una madre y su hijo psicópata.

El score, creado por Jonny Greenwood, acompaña una historia que más allá de presentar los rasgos de un niño y adolescente que siente placer al lastimar a los demás, se trata sobre el amor y miedo de una persona que está obligada a cuidar de otra. Ambos protagonistas son el toque destacado de esta intrigante cinta que hace referencia a todo, menos a su título. 

Blade Runner 2049 (2017)

Dentro de una época de remakes, reboots y secuelas, lo que menos queremos (al menos la mayoría de las veces) es el regreso de una historia que es de culto y que sólo pertenece a su época. Sin embargo, hay una excepción a la regla, y esa es Blade Runner 2049, dirigida por Denis Villeneuve y protagonizada por Ryan Gosling y Harrison Ford. Desde que se estrenó la película en 2017, fue aplaudida por la crítica (aunque un fracaso taquillero) no sólo por su impresionante narrativa visual, sino por traer de vuelta una historia que no envejece y que cuestiona conductas humanas en relación a la tecnología y la humanidad de la misma. 

Quizá, considerando el toque poética dentro de la ciencia ficción, de la película, hemos de señalar como culpable a la duración de casi tres horas de un filme con un ritmo que no mantuvo a las audiencias sentadas en sus sillas. Sin embargo, se ha de considerar una de las mejores películas de los últimos años por su estructura, trabajo técnico, actuaciones y fotografía. 

Midnight in Paris (2011)

El trabajo de los últimos años de Woody Allen navega entre la genialidad de sus primeros filmes, y la necesidad de seguir en el imaginario de una generación que si bien lo entiende, no alcanza a ver la complejidad de su cine. Sin embargo, aquí hemos de hablar de sus más recientes filmes que conservan ese nerviosismo de sus diálogos y la inminente representación de Allen en sus personajes. 

Medianoche en París de 2011, es una de ellas. Gil Pender se encuentra en París de vacaciones junto a su prometida (una mujer pesada y asfixiante) y los padres de la misma. Harto de la superficialidad del París que ellos quieren conocer, una noche Gil se pierde caminando en la ciudad y se encuentra con un lugar que a las 12, permite que la persona “viaje” en el tiempo. Y así es como Gil, exitoso guionista de Hollywood, llega al París de los 20 donde se encuentra con sus ídolos literarios como Hemingway, Fitzgerald, Gertrude Stein, y más. 

Coco (2017)

Coco de 2017, como parte de la familia Pixar, se convirtió en un éxito de taquilla internacional con la historia de Miguel, un niño mexicano con talento para cantar y tocar la guitarra, pero cuya familia tiene prohibido cualquier acercamiento con la música.

La cinta está situada en las épocas en que se celebra el Día de Muertos, razón por la cual Pixar aprovechó sus cualidades en animación y edición para presentar su idea del mundo de los vivos y el mundo de los muertos dentro de la cultura mexicana. Gael García Bernal participó en esta cinta en uno de los personajes principales, Héctor, con un elenco mayormente latino. En 2018, la cinta se llevó el Oscar en la categoría de Mejor Película Animada. 

Drive (2011)

Quizá el nombre de Nicolas Winding Refn no te suene muy familiar, pero sí una de sus películas que logró sorprender a todos los que se dieron oportunidad de verla en 2011. Se trata de Drive, cinta protagonizada por Ryan Gosling y Carey Mulligan. Aquí conocemos a un doble de riesgo (nunca conocemos su nombre) que trabaja en grandes producciones de Hollywood, pero también hace trabajos para criminales donde él sólo maneja. 

Drive tiene grandes visuales que nos llevan a un ritmo de las películas film noir, pero con grandes destellos de brutalidad y violencia que acompañan una historia de amor y sacrificios. La actuación de Ryan Gosling fue aclamada por la crítica al dar vida a un sujeto con temple firme, quizá un poco romántico con su forma de lidiar con el crimen (no lleva nunca una pistola), pero capaz de efectuar actos de extrema violencia. 

The Babadook (2014)

Jennifer Kent se une a una corta lista de directores independientes que, con una sola película, han logrado replantear el concepto de terror en el cine. The Babadook nos presenta la historia de Amalia, una mujer que después de perder a su esposo de manera violenta, debe cuidar de su hijo sola. Sin embargo, la actitud extraña y quizá rebelde del niño, empeora la situación emocional de la madre. Todo empeora cuando Amalia comienza a leerle un libro de terror sobre el babadook, y el cual comienza a materializarse de distintas formas.

La película obliga al espectador a sentirse en la misma atmósfera que los protagonistas, es decir, un ambiente de claustrofobia y desesperación que pocos filmes de terror logran con tanta maestría y naturalidad a pesar de presentar los elementos básicos del género como la oscuridad, las sorpresas y personajes infantiles, incluso. 

Burning (2018)

Corea del Sur se ha hecho famosos en el cine internacional gracias a sus brutales pero extrañamente placenteros thrillers de acción y crimen. Old Boy es el ejemplo más conocido por todos, pero en 2018 llegó una nueva película que si bien sigue la misma línea, en realidad lo cambia todo. En otras películas coreanas la violencia viene de acciones concretas, pero en Burning de Lee Chang-dong, no sabemos de dónde específicamente, y eso es lo que la hace fascinante. 

La película nos presenta un triángulo “amoroso” entre Jongsu y Haemi, dos viejos conocidos, y Ben, un sujeto encantador que le gusta ver cómo la naturaleza se destruye a sí misma, y no necesariamente con llamas provocadas, sino con el miedo, la tensión y la indiferencia humana. 

Nightcrawler (2014)

Jake Gyllenhaal es uno de los mejores actores de su generación que, sorpresivamente, ha explorado el cine independiente con mucho éxito procurando una imagen dentro de la taquilla. Una de sus mejores películas en los últimos años es Nightcrawler, escrita y dirigida por Dan Gilroy como un thriller psicológico en el que conocemos a Lou Bloom, un nightcrawler (camarógrafos independientes) que se obsesiona en la búsqueda nocturna de la mejor noticia.

En su camino, se convierte en una especie de cómplice de los crímenes que filma, algunos alterados por él mismo pensando en la mejor manera de “presentarlos” o reteniendo información con tal de tener la información única. Sin duda, es una película, intensa, llena de acción y mucha adrenalina. 

La piel que habito (2011)

Pedro Almodóvar es un director que siempre (a excepción de Dolor y gloria) nos deja con un sentimiento de fatalidad y tragedia, de culpa, y La piel que habito de 2011 no fue la excepción en un ejercicio fílmico impecable sobre la belleza, el amor, la obsesión y la pérdida. La película está protagonizada por Antonio Banderas como Robert Ledgard, un cirujano que vive en una enorme casa equipada con instrumentos médicos, y en la cual realiza experimentos de la piel. ¿La razón? Su esposa sufrió un accidente automovilístico que quemó todo su cuerpo, lo que la llevó al suicidio. 

Y también conocemos a Vera, una joven mujer con la que Ledgard ha estado experimentando, y con la que también comenzará un pasional romance que devela la verdad detrás de la obsesión de Ledgard y el pasado de Vera, el cual se relaciona directamente con la hija del doctor. 

Black Swan (2010)

Darren Aronofsky se presentó ante el mundo con Requiem for a Dream en el 2000, y reiteró su lugar como uno de los cineastas más interesantes en 2010 con Black Swan, protagonizada por Natalie Portman (en su primer Oscar), junto a Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey y Winona Ryder. Aquí conocemos a Nina, una bailarina de ballet inocente y tierna que debe liberar su lado más oscuro y salvaje para poder convertirse en la primera bailarina en la presentación de El lago de los cisnes

Presionada por las frustraciones de su madre, quien pretende mantenerla como una niña siempre, y por sus mismos miedos y preocupaciones, Nina comienza a alucinar en un camino hacia la perfección, el dolor y el aplauso de un público que quizá nunca llegue a conocer. La actuación de Portman le valió, como mencionamos, un Oscar como Mejor Actriz en un personaje tan perturbador como complejo. 

El árbol de la vida (2011)

Hay dos momentos en la filmografía de Terrence Malick. Uno de ellos, el “último”, es un cine meramente visual y contemplativo en el que toma relevancia la imagen más allá del propio diálogo. El árbol de la vida es el ejemplo perfecto de la maestría que Malick ha alcanzado, y no lo pudo haber hecho con nadie más que con Emmanuel “El Chivo” Lubezki, el cinefotógrafo mexicano que fue nominado al Oscar por esta cinta, y que sorpresivamente no se lo llevó.

Lubezki trabajó con luz natural en una historia de familia que encuentra su sinónimo en la vida misma. Jack, de adulto, recuerda varios episodios de su niñez junto a sus hermanos, su madre (Jessica Chastain) y la fuerte figura de su padre (Brad Pitt). El árbol de la vida es un ejercicio de reflexión sobre la finitud del hombre frente a lo magnífico del universo, el tiempo y el espacio. 

Una mujer fantástica (2017)

En 2018, Sebastián Lelio llegó a los Oscar en representación de Chile con Una mujer fantástica, la cual está protagonizada por Daniela Vega. Aquí nos presentan a Marina, una joven mujer trans que está enamorada. Una noche, su amante (un hombre mayor) muere bajo extrañas circunstancias, desatando un tormento en el que Marina se debe enfrentar no sólo al dolor de perder a la persona que ama, sino a la discriminación de la familia de su pareja. Sin embargo, todo esto la lleva a redefinir su identidad.

The Social Network (2010)

David Fincher es uno de los directores más destacados de la actualidad. Tiene varios clásicos en su filmografía, y en 2010 sumó uno con The Social Network, una película sobre los inicios de Facebook y el ascenso de Mark Zuckerberg como líder mundial y digital. Protagonizada por Jesse Eisenberg, Andrew Garfield y Armie Hammer, este filme recibió ocho nominaciones al Oscar, llevándose tres a casa. 

La película comienza cuando Mark crea una página para calificar el atractivo de las mujeres de Harvard que, con el tiempo, se convierte en una red en la que se comparte información entre usuarios con gustos similares, lo que ahora conocemos como Facebook.