Se podría decir que este 2022, la industria del cine se reacomodó un poco más tras el duro golpe de la pandemia. Pero al mismo tiempo, con los estrenos de películas y las decisiones de los estudios más grandes, nos dimos cuenta que las cosas nunca volverán a ser lo que eran antes; sobre todo, es justo decirlo, en la taquilla.
Y esto es más importante de lo que parece, porque no sólo el boletaje dejará de dominar la conversación respecto al éxito de una cinta, sino que las inversiones se moldearán de acuerdo a las nuevas necesidades de la industria encaminadas a buscar espectadores y usuarios.
Tendremos que ir viendo qué camino toma la industria. Pero lo que sí podemos asegurar, es que 2022 preparó bastante bien el terreno para el próximo año con películas que buscaron a todo tipo de audiencia entre presupuestos variados, innovaciones tecnológicas y propuestas narrativas.
En comparación con el 2021, este año fue más grande, generoso y atractivo en el mercado nacional e internacional. Los festivales, quienes habían reunido a los más grandes directores, volvieron a sus dinámicas pasadas en donde la conversación se centró en los estrenos y sus posibilidades para las temporadas de premio.
El cine de 2022
En nuestra lista de lo mejor que vimos este 2022, el género de terror dominó la escena en varios niveles con sorpresas entre las críticas y la taquilla, sin olvidar su fuerte presencia en las plataformas de streaming con títulos como The Black Phone, Barbarian o Smile.
El cine de superhérores quedó a deber entre sus inmensas producciones, destacando sólo en un par como lo fue The Batman y Black Panther: Wakanda Forever. La ciencia ficción se mantuvo a raya con pocas producciones destacadas como Everything Everywhere All at Once y Nope, dejando hacia el cierre del año una de las cintas más esperadas: Avatar: The Way of Water (la cual no hemos visto, por lo tanto no se suma a esta lista).
El género de la comedia romántica, el cual fue muy exitoso en los 90 y principios del 2000, tomó un nuevo respiro con películas que sumaron a su elenco a grandes estrellas, justamente, de títulos pasados como Jennifer Lopez o Julia Roberts, pero que aún debe ajustarse a esta época. Pero la comedia como tal, tuvo sus tinos mezclados con otras narrativas como Decision to Leave, Bodies Bodies Bodies o el esperado regreso de Knives Out con Glass Onion (la cual se estrena hasta el 23 de diciembre).
Pero fue el drama el que si bien no dominó la taquilla (nunca lo ha hecho, en realidad), concentró la conversación de lo que será más relevante para la temporada de premios. Hablamos de cintas como Tár con una espectacular Cate Blanchett, She Said sobre las periodistas que investigaron a Harvey Weinstein para el New York Times o una cinta más pequeña, pero genial titulada Aftersun.
En esta lista no entraron muchas películas que creemos también fueron destacadas, pero no tuvimos chance de ver, o bien, no se han estrenado en México (por fecha oficial o porque no lo lograron en festivales). Tal es el caso de The Banshees of Inisherin o The Whale. ¿Pero qué les parece nuestra lista y cuáles creen que faltaron o sobran?
Crimes of the Future
David Cronenberg / MUBI
El regreso de David Cronenberg después de 8 años, fue uno de los más destacados de este 2022, pues no sólo marcó su vuelta al horror corporal (del cual, podríamos decir, es su más claro representante), sino que lo hizo con un guion escrito hace más de 20 años que resuena en la actualidad con mucha más fuerza.
Si Cronenberg hubiera filmado Crimes of the Future al momento de escribirla, habría sido una cinta 100 por ciento futurista y completamente lejana a nuestra experiencia. Pero este 2022, la historia se siente cercana y a la vez, aterradora, pues propone la alteración a consciencia de nuestra biología con fines artísticos, estéticos y de entretenimiento.
Nuestros protagonistas son Saul Tensen y Caprice, una pareja de artistas de performance. Saul logra crear órganos en su cuerpo, los cuales son extirpados en vivo (es importante decir que se ha erradicado el dolor) y tatuados. Para muchos, es una forma nueva de hacer arte, pero para las autoridades, representa la pérdida del control evolutivo.
Crimes of the Future tiene un montón de matices y lecturas que van desde la mutación del cuerpo de los seres humanos en paralelo al desarrollo tecnológico, el control del Estado en los mismos cuerpos, hasta la necesidad de sobrevivir a un mundo en decadencia en relación al medio ambiente. Cronenberg lanza la pregunta de si la evolución de nuestra anatomía evolucionará a favor de alguna de estas. AQUÍ les dejamos nuestra reseña completa.
The Batman
Matt Reeves / HBO Max
Batman es un personaje que ha estado rondado en el cine y la televisión lo suficiente como para pensar que una versión más sería absurda. Pero Matt Reeves, un apasionado del personaje, logró sacarlo del limbo en el que se encontraba (tras la reciente versión de Ben Affleck) para crear un filme épico que retoma la complejidad del caballero de la noche.
The Batman es una cinta que parece ser un drama criminal de los 70 al mero estilo de The French Connection, presentándonos a un Bruce Wayne/Batman que no habíamos explorado hasta ahora: no en sus orígenes, pero sí en sus inicios.
Robert Pattinson toma al personaje principal, el cual se ha de enfrentar a una serie de asesinatos de figuras relevantes en la política de la ciudad, todos relacionados con actos de corrupción en torno a Carmine Falcone, el más grande criminal de la zona. Todos son perpetrados por un sujeto que se hace llamar El Acertijo.
Los cómics detrás de la historia escrita por el mismo Reeves nos muestran a un personaje existencial que se desenvuelve entre muchos otros nombres llenos de conflictos que hacen de esta película una de las más entretenidas en su forma de crear espectáculo, pero al mismo tiempo bastante emocional. AQUÍ todos nuestros contenidos de la Batman Week.
Broker
Hirokazu Koreeda
La mejor manera de describir el cine de Hirokazu Koreeda, de una manera un poco simple, es como humanista. Nos muestra historias y personajes enredados en distintos conflictos que ponen a aprueba su moralidad y ética, pero que al mismo tiempo ponen por encima no un bien individual, sino ajeno: el de alguien a quien aman.
El mejor ejemplo es Un asunto de familia de 2018, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, donde vemos a un grupo de personas que secuestran a una niña que ha sido víctima de abuso. Para este 2022, el cineasta japonés regresó con un drama que vuelve a cuestionarnos en varios aspectos a través de personajes dolorosos que bien podemos reconocer.
Broker sigue a un par de sujetos que sirven como intermediarios entre la venta de niños huérfanos y familias en busca de hijos. La cinta comienza cuando toman a un bebé recién abandonado, del cual inmediatamente su madre vuelve a buscar. Al conocerlos, decide unirse a su negocio para encontrarle una buena familia a su bebé.
La trama no es sencilla, pero Koreeda vuelve a concentrarse en las dinámicas familiares para hablar de abandono, superación de pérdidas, paternidades, y sobre todo, los juicios que se hacen en contra de las mujeres que deciden dar en adopción a sus bebés: madres que nunca se perdonan ni son perdonadas. Sin duda, Broker es una de las películas más impactantes, emocionalmente hablando, de este 2022.
Tár
Todd Field
16 años después de su segundo largometraje Little Children, Todd Field regresa con un drama psicológico que pone el dedo en la llaga sobre las relaciones de poder, la cultura de la cancelación y el mundo de la música clásica. Hablamos de Tár en donde Cate Blanchet entrega una de sus mejores actuaciones, algo que no suena nada nuevo (pero que no deja de sorprendernos).
La cinta nos presenta a Lydia Tár, una de las mejores compositoras y directoras de orquesta. Desde los primeros minutos, somos testigos de cómo el mundo del arte, la crítica y el público está a sus pies: está por publicar una autobiografía, pronto grabará “Sinfonía n.º 5” de Gustav Mahler, y vive cómodamente en Berlín junto a su esposa Sharon y su hija adoptiva Petra. Sin embargo, todo comienza a oscurecer cuando unos correos de una antigua alumna llegan a su bandeja.
De las 2 horas con 40 minutos que dura Tár, Cate Blanchet aparece en casi todas las escnenas con una presencia que resulta magnética para el espectador quien, como el público que admira a la compositora, se rinde a sus pies recién comenzada la cinta. La cosa es que conforme avanza el drama, nos coloca en una peculiar situación donde vemos a un ídolo caer, buscando salir de entre las cenizas (pero ojo, que la historia jamás cae en sentimentalismos gracias al trabajo de la actriz).
También la cinta toca temas que pocas producciones han abordado tales como la cultura de la cancelación, las dinámicas de poder en el mundo del entretenimiento y hasta una eterna pregunta que nos hacemos constantemente: ¿Es posible separar la obra del artista?
The Northman
Robert Eggers
Robert Eggers es uno de los directores más emocionantes de los últimos años. Desde su debut con The Witch en 2015 y el estreno de The Lighthouse en 2019 para explorar el folclore americano, se reveló como una persona obsesionada con los detalles y la exactitud histórica, dos cosas que llevó a su máximo potencial en su tercer largometraje titulado The Northman.
Esta cinta, protagonizada por Alexander Skarsgård, retoma la leyenda danesa de Amleth, un príncipe que se convierte en testigo de la muerte de su padre por traición de su tío, quien también toma como esposa a su madre para apoderarse del reino. Si la historia les suena similar, es porque William Shakespeare la hizo popular con Hamlet. ACÁ les contamos más de las diferencias.
The Northman es una película bastante visceral que se alimenta, primero, de la idea de venganza: Amleth, un niño que debe huir con la promesa de vengar a su padre y salvar a su madre; y luego, la de un hombre que descubre que en su dolor, hay compasión y amor. Por lo que en esta cinta no se realiza el típico viaje de un héroe, y eso es lo que la hace sensacional.
Eso, y la atención a los detalles históricos de Eggers que ya habíamos mencionado. La precisión con la que seguimos la historia de Amleth entre los mitos y las leyendas nórdicas, permite a las audiencias sumirse completamente en el desarrollo, marcado por una fotografía, diseño y score espectacular. AQUÍ nuestra reseña completa.
Barbarian
Zach Cregger / Star+
Planear unas vacaciones y rentar un Airbnb es lo más cómodo. Tener un espacio que te pertenece por el tiempo elegido, te permite seguir tus propios planes y explorar el lugar a tu manera (te evitas el coraje de perder el desayuno, comida o cena integrada, por ejemplo).
Pero alrededor también hay muchos problemas… o mejor dicho pesadillas. ¿Alguna vez han pensado en rentar un lugar que ya está siendo ocupado? La primera pesadilla viene con el incómodo encuentro con un extraño que también pagó por estar ahí. Y para la cinta Barbarian, la segunda pesadilla viene con la presencia de una entidad extraña en la casa. En pocas palabras, nunca estamos solos y siempre estamos siendo vigilados.
Este 2022 ha sido sensacional para el género de terror, y Barbarian es una de las películas que comprueban esta afirmación. Conocemos a Tess, una joven mujer que renta una casa en la parte más destruida de Detroit para poder asistir a una entrevista de trabajo. Pero cuando llega, descubre que la casa ya está ocupada. ¿La buena noticia? Es un hombre atractivo que tiene los mismos intereses que ella.
Y cuando creemos que la historia se irá por el mismo lugar conocido (en el que seguramente este hombre es un psicópata encantador), Barbarian se transforma en un horror sobrenatural que lleva a la protagonista a enfrentarse a un peor problema que el de un hombre que podría o no ponerla en peligro (y eso es lo genial del filme, que juega con esta idea, también, a través de otro personaje masculino). Todo se reduce a un sótano oscuro y espeluznante del que no les contaremos porque el plot twits es simplemente genial.
Everything Everywhere All at Once
Daniels
No tememos al decir que Everything Everywhere All at Once es la película más destacada de este 2022. Tras su estreno (el cual fue complicado porque es una cinta imposible de explicar, y por ende, difícil de vender), sorprendió a las audiencias al grado de superar todas sus expectativas en taquilla. Y ni qué decir de las críticas, que si bien fueron mixtas, se decantaron más hacia lo innovador de su propuesta.
Everything Everywhere All at Once, dirigida por Daniel Kwan y Daniel Scheinert, es un ejercicio audiovisual sin precedentes que utiliza el ya conocido recurso de los multiversos, pero esta vez fuera del mundo de los superhéroes. AQUÍ o películas que inspiraron a Daniels. Es así como llegamos a la protagonista, Evelyn Wang (con una de las mejores interpretaciones del año con Michelle Yeoh), una mujer china que dirige una lavandería junto a su esposo e hija.
Su vida es un caos, pues la relación con su padre es horrible, y eso se refleja en su relación con su hija. Sin olvidar que siente un poco de rechazo hacia su esposo, un hombre lleno de bondad pero pocas decisiones. Las cosas se complican cuando Deirdre (otra enorme actuación de Jamie Lee Curtis), una inspectora de impuestos, amenaza con cerrar el local.
Y sin que nos avisen, Evelyn se ve envuelta en una lucha universal por mantener el equilibrio al derrotar el mal con ayuda de sus múltiples yo de otras realidades. La cinta puede llegar a ser confusa, pero también es sumamente divertida al mismo tiempo que involucra un montón de emociones. AQUÍ nuestra reseña completa.
Pinocchio
Guillermo del Toro / Netflix
Todos conocemos la historia de Pinocchio gracias a la versión de Disney que forma parte de sus clásicos animados. Este 2022, la compañía se aventuró a hacer un live action con Tom Hanks que salió, por decir lo menos, muy mal en una reinterpretación floja, aburrida y sin sentido, que dejaba de lado todos los elementos de desarrollo en el personaje de la marioneta.
Pues bien. Antes de deprimirnos con esto, hemos de decirles que Guillermo del Toro llegó no sólo para entregarnos una de las mejores películas de su filmografía, sino una versión mejorada (nos atrevemos a decir) de Pinocchio que potencia los elementos más oscuros, pero humanos, de la historia original.
Pinocchio, filmada en stop motion entre varios talleres de animación que incluyeron artistas mexicanos, está ambientada en la Primera Guerra Mundial y el ascenso de Mussolini al poder en Italia. Como parte de las consecuencias terribles de una guerra, Geppetto, el carpintero de un pequeño pueblo, pierde a su hijo Carlo de 10 años, dejándolo sumido en una fuerte depresión que dura casi 20 años.
Un día, construye una marioneta que cobra vida gracias al favor de un espíritu del bosque que se apiada del viejo carpintero. Así nace Pinocchio, quien atraviesa un viaje iniciático para encontrar su lugar en el mundo más allá de ser el fantasma del hijo fallecido de su padre.
La película es bellísima en todo sentido. La animación es tan espectacular, que se nos olvida que estamos viendo, precisamente, una cinta animada. La música corrió a cargo de Alexandre Desplat, por lo que no necesitamos explicarles lo bella que es. Y la historia, coescrita por el cineasta mexicano, vuelve a retomar tópicos consistentes en su filmografía tal como la muerte, la pérdida y las ausencias, el abandono y la violencia. AQUÍ nuestra reseña completa.
The Black Phone
Scott Derrickson
Hace rato les dijimos que el género de terror ha llegado a un punto interesante este 2022 con varias propuestas que rompen los moldes de su narrativa. Tal es el caso de The Black Phone, una cinta coming-of-age en donde los elementos sobrenaturales no sirven como antagonistas, sino como factores de sanación para los verdaderos horrores en la vida como el maltrato infantil y el acoso escolar.
The Black Phone es una adaptación de la obra homónima de Joe Hill, y nos presenta a los hermanos Finney y Gwen (dos de las actuaciones más geniales de este 2022 por parte de Mason Thames y Madeleine McGraw), quienes viven con su padre, un hombre alcohólico que los alecciona a golpes.
Finney, de 13 años, cae víctima de The Grabber, un sujeto con una aterradora máscara que ha secuestrado y asesinado a varios niños del vecindario. Finney es llevado a un sótano donde hay un baño, un colchón y un teléfono negro en la pared. El teléfono está desconectado, pero de repente comienza a recibir llamadas que podrían ayudar a Finney a escapar.
La historia es tan inspiradora como aterradora al mostrar las diversas dinámicas en las que se ejerce violencia en contra de las infancias, y los mecanismos de sanación de esto últimos para sobrellevar una situación de la cual no pueden escapar. Sin duda, una sorpresa de este 2022. AQUÍ les contamos de otras cintas similares.
Decision to Leave
Park Chan-wook
Después de seis años de ausencia, el cineasta coreano Park Chan-wook regresó este 2022 con una de sus películas más elegantes (algo muy distintivo de su filmografía, pero que ahora es más claro en cada punto de su narrativa), románticas y divertidas: Decision to Leave.
En esta cinta, el cual se puede describir como un drama criminal mezclado con el slow burn romance y el clásico whodunit, conocemos al detective Hae-jun, un hombre que vive con su esposa, pero que se dedica a trabajar hasta altas horas de la noche por insomnio derivado, quizá, de su monótono matrimonio y su rutinaria vida.
Todo da un giro de 180 grados cuando un escalador aparece muerto. Todo parece indicar que es un accidente, pero algunos detalles abren una investigación que lleva a Hae-jun a conocer a la enigmática y hermosa Seo-rae, una mujer de origen chino que se mantiene impávida ante la muerte de su esposo.
Pero si el guion de Decision to Leave es genial, es porque el idioma y la comunicación juega un papel importantísimo tanto como un misterio y la clave para resolver el crimen. Seo-rae no habla bien coreano, por lo que nos es imposible saber si es indiferente a la muerte de su esposo, o no sabe expresar sus sentimientos con palabras.
Pero son estas últimas las que menos dicen cuando un romance emocional comienza entre los dos protagonistas, revelando un juego sensual y frustrante en el que nos es imposible saber quién es la víctima o el victimario, quién miente y quién dice la verdad, ni cuáles son las verdaderas intenciones de los personajes principales. ¿Se mueven por el amor, el deseo, la necesidad de traicionar, la liberación o un mero instinto de control por el otro?
She Said
Maria Schrader
En 2017, las periodistas Jodi Kantor y Megan Twohey publicaron una extensa investigación en el New York Times sobre las décadas de violencia sexual y abuso de poder que Harvey Weinstein, quizá el más grande productor de Hollywood, ejerció contra decenas de mujeres. Y no sólo eso, sino el sistema que las silenció y ayudó a que un hombre como él continuará con esa conducta.
El reportaje dio paso a un movimiento global conocido como #MeToo que primero, abrió la puerta para que las mujeres pudieran denunciar casos de acoso en los espacios laborales (fuera de la industria del entretenimiento) para luego, dar paso a muchas conversaciones respecto a las diversas formas de violencia, la creación de espacios seguros y muchas cosas más que si bien no han quedado resultas, continúan conversándose.
¿Pero cómo lograron realizar una investigación respecto a un tema conocido pero del que todos habían decidido callar? She Said, la más reciente cinta de Maria Schrader (conocida por la serie Unorthodox), sigue el viaje que ambas periodistas realizan no sólo para realizar una peligrosa investigación alrededor de Weinstein, sino para mostrar el acercamiento que tuvieron con algunas de las víctimas que fueron las primeras en hablar.
Zoe Kazan y Carey Mulligan toman los lugares de Kantor y Twohey en la adaptación del libro que ambas escribieron para narrar el recorrido que hicieron. El título de She Said es significativo a partir de cómo se suele dar más peso a la defensa de un hombre entre el “él dijo” y “ella dijo”, siempre cuestionando la versión de las víctimas entre preguntas como “¿Por qué no denunció antes?”, “Seguro quiere dinero y fama”, “¿Por qué no le dijo que no?”, etcétera.
La película siempre se mantiene sensible en la forma en la que dos mujeres periodistas, en orden de encontrar la verdad, habrían de cuestionar a las víctimas. Pero no con una intención de juzgarlas, sino reconocer cómo el sistema creó todo un mecanismo de intimidación y silencios que sólo aumentaron el trauma.
Top Gun: Maverick
Joseph Kosinski
Si hay una película que sorprendió a todos de manera inesperada este 2022, esa fue Top Gun: Maverick, la secuela del éxito de 1986 protagonizado por Tom Cruise, quien regresó como Pete “Maverick” Mitchell, ahora un instructor de vuelo para un grupo de élite.
La cinta era muy esperada, justamente, porque el regreso de Cruise a una de las cintas más icónicas de la década de los 80. Pero sobre todo, porque habría de superar una prueba del tiempo que muchas secuelas no han logrado entre narrativas repetitivas, o bien, cambios en la historia que la alejan mucho de la nostalgia que la audiencia esperaba sentir.
Pero Top Gun: Maverick triunfó en grande hasta ser considerada como una de las mejores películas de este 2022, sin mencionar su impresionante taquilla que la convierte en el primer título de Cruise en superar los mil millones de dólares. De nueva cuenta, por acá hay romance con una espectacular Jennifer Connelly, y hay mucho drama con Miles Teller como Rooster, el hijo de Anthony “Goose” Edwards (mejor amigo del protagonista que muere en la primera cinta).
Pero lo que hace a Maverick una cinta especial este año, es el enorme espectáculo visual y sonoro que entrega. Bien dijo Tarantino que este tipo de cintas, emocionantes en todo sentido y espectaculares, son la base por la cual vamos al cine en lugar de quedarnos en nuestra casa viendo una película en streaming.
Triangle of Sadness
Ruben Östlund
Hubo algún periodo del siglo XX en el que mostrar la riqueza (económica) desmedida, era mal visto. La opulencia, a diferencia de la década de los 20, por ejemplo, se mantenía privada entre el sector más rico de algunos países como Estados Unidos. Eran discretos, quizá, porque no había medios para mostrar esa riqueza que no fueran entre objetos conocidos como autos, residencias y demás.
Sin embargo, en la actualidad, entre más hablamos de las desigualdades, más las notamos. Y nada tiene que ver con eso que llamamos conciencia de clase. Sino con el hecho de que los ricos (esos ultra millonarios tipo Succession), sin un grado de culpa o empatía, muestran sus riquezas. Y para justificarlas, se vuelven filántropos entre eventos que lo único que hacen es, justamente, mostrar la enorme cantidad de dinero que tienen.
Algunos han tomado esta idea para explorarla en el cine con lo que ahora conocemos como “comedias de clase” donde de manera voraz, nos podemos burlar de cómo los ricos creen que nadie se da cuenta que su riqueza viene a costa de la pobreza de una enorme mayoría. Y eso, en términos narrativos, los hace ver estúpidos. Entonces, ¿por qué no burlarse de ellos?
Y es lo que ha hecho en los últimos años Ruben Östlund con cintas como The Square en 2017 y Triangle of Sadness este 2022, ambas ganadoras de la Palma de Oro en Cannes. Sobre esta última, hemos de ser honestos, no es innovadora en ninguna de sus partes al mostrar a un grupo de gente extremadamente adinerada, enfrentándose a una naturaleza que los obliga a rendir cuentas con aquellos que antes les servían.
Es decir, un rico inútil que debe obedecer a una mujer de clase baja porque ella sí sabe sobrevivir bajo condiciones adversas. No es nuevo, pero vaya que el cineasta sueco es gracioso entre dinámicas que no sólo muestran un cambio de roles en el poder, sino cómo cualquier ser humano que lo asuma en su totalidad, lo utilizará para beneficiarse, y además, hará todo para no perderlo. AQUÍ les dejamos la reseña completa de Triangle of Sadness.
Aftersun
Charlotte Wells
Vaya sorpresa la que ha dado Aftersun de Charlotte Wells, el debut con largometraje de esta cineasta escocesa junto a Paul Mescal. La cinta nos cuenta la memoria de Sophie durante un viaje junto a su su papá Calum a Turquía. Por lo que vemos a una Sophie recordar los momentos que vivió junto a él cuando ella tenía 11 años.
Aftersun es extremadamente sutil al presentar un retrato de reconciliación, y por ende, de continuas contradicciones. La actuación de Paul Mescal en esta cinta es sumamente contenida y profunda, y su sentir se expresa en los silencios que muestran que no son necesarias las escenas cargadas de drama para presentar personajes que sienten demasiado.
Y es una historia que existe en contradicción porque vemos a dos personas vivir la misma experiencia, en un espacio compartido, pero que por dentro cada uno tiene un mundo propio. ¿Qué hay hacia el futuro? Esto lo podemos ver hasta en el uso del color azul que envuelve casi por completo la película, y cómo su significado cambia dependiendo de a quién estemos viendo.
Aftersun nos recuerda que creemos conocer a nuestros padres, pero que normalmente sólo los reconocemos como meras figuras paternas olvidando las personas que fueron antes y después de las y los hijos.
Bodies Bodies Bodies
Halina Reijn
El subgénero del horror conocido como slasher, es uno de los más interesantes y propositivos en el cine. De entrada, es bastante entretenido entre el gore y el terror, y funciona bastante bien con las audiencias en las taquillas y las críticas. Pero lo más destacado es el subtexto detrás del desarrollo principal donde vemos a un asesino degenerado perseguir a un grupo de personas.
En Halloween, por ejemplo, es el horror suburbano y la frágil estabilidad de los suburbios. Y este 2022, en Bodies Bodies Bodies, se pone sobre la mesa la manera en la que las redes sociales obligan a las personas/usuarios a opinar sobre cualquier tema. En concreto, las generaciones más jóvenes, las cuales están presionadas a estar presentes en todo, pero a la vez en nada.
Bodies Bodies Bodies nos muestra a un grupo de adultos jóvenes, la mayoría adinerados, y quienes pasarán un fin de semana en la residencia de uno de ellos a las afueras de Nueva York. La primera noche, David, el dueño de la casa, aparece muerto con signos de violencia, desencadenando una cacería terrible en la que sólo uno saldrá vivo.
La cinta es una comedia de humor negro que analiza las circunstancias en la que las generaciones jóvenes, se desarrollan frente a un presente que los presiona a ser en un mundo digital, al mismo tiempo de resolver problemas hacia un futuro completamente incierto.
The Fabelmans
Steven Spielberg
Es imposible pensar en el cine, no sólo de Hollywood sino en general, sin la figura que representa Steven Spielberg. Es uno de los directores más exitosos, y uno que, es justo decirlo, reconoce cuáles son las fórmulas de éxito de taquilla y los puntos a favor dentro de la Academia.
Pero independientemente de esto, la realidad también es que su filmografía ha explorado los temas más personales para él en relación a su familia. Por lo que una película que abordara de forma directa y frontal su infancia, sonaba sobre el papel como su proyecto más ambicioso, pues iría hacia un lugar donde ni todo el presupuesto podría llevarlo: su pasado y el de su familia nuclear.
La cinta arranca con el pequeño Samuel Fabelman, quien va a ver su primera película junto a sus papás Burt y Mitzi: The Greatest Show on Earth de Cecil B. DeMille. Y a partir de ahí, nada sería igual. El mundo de las imágenes en movimiento formarían parte de su infancia, y posteriormente adolescencia junto con sus amigos; sin embargo, el drama que vive en casa lo lleva a refugiarse todavía más detrás del lente para ayudarle a comprender el mundo.
Hemos visto de manera constante cómo los cineastas buscan retratar algún episodio de su niñez que les marcó para siempre, tal como lo hizo Alfonso Cuarón, Kenneth Branagh o el mismo Pedro Almodóvar. Pero lo que logra Spielberg con The Fabelmans es plasmar y contagiar su gran amor por el cine, y aunque esto no es algo que no haya hecho con anterioridad, en ésta película el director se presenta vulnerable y a la vez, como es ya un sello en su filmografía, esperanzador ante las adversidades (así sean desde un tiburón y el desembarco en Normandía, hasta el dolor de vivir el divorcio de sus padres).
Nope
Jordan Peele
Después del éxito en 2017 de Get Out (dentro y fuera del género del horror) y las críticas mixtas hacia Us en 2019, Jordan Peele regresó este 2022 con su más grande espectáculo cinematográfico bajo el nombre de Nope (nuevamente junto a Daniel Kaluuya y con la presentación en grande de Keke Palmer y Brandon Perea).
Nope tiene como protagonistas a OJ y Em, unos hermanos que trabajan en el rancho familiar dedicado a entrenar caballos para las películas de Hollywood. Pero el negocio no va bien frente al uso de la tecnología por parte de los estudios, y la situación empeora cuando el padre de ambos muere bajo extrañas circunstancias.
Pronto, los hermanos descubren que hay un objeto volador sobre su propiedad, y el cual forma parte de un espectáculo de horror de un rancho cercano. Desde el tráiler, Nope es bastante clara con cuáles son las amenazas a las que se enfrentan sus protagonistas, pero a cada rato sorprende a la audiencia con las dimensiones que maneja.
Como mencionamos antes, esta cinta es un verdadero espectáculo fílmico, y Peele se olvidó de los espacios reducidos que usualmente se exploran en el género de horror y ciencia ficción, para abrirlo en una zona casi desértica donde podemos verlo todo… o al menos escucharlo y sentirlo. La fotografía, sobra decir, es lo más espectacular de la cinta.
X / Pearl
Ti West
Después de una larga ausencia como director de cine, Ti West regresó con dos películas que sorprendieron en todo sentido al ser subversivas en sus temáticas y decisiones estéticas. La primera de la que les hablaremos es de X, una película ambientada en 1979 que nos muestra a un grupo de jóvenes que rentan una casa en Texas para grabar una película porno, pero pronto descubrirán que los propietarios de este lugar tienen otras intenciones.
En un inicio puede que la trama no suene sumamente innovadora, pero lo que nos presenta X es una historia con un retrato positivo del sexo, donde no se le juzga con ninguna perspectiva moral de los slashers originales donde el tener sexo era igual a una sentencia de muerte (como en Scream). Acá hablamos de represión, de contrastes entre la juventud y la vejez, consentimiento, transiciones sociales y de pánicos morales.
Meses después de X, se estrenó la precuela titulada Pearl, que como el título lo indica se centra en el personaje interpretado nuevamente por Mia Goth. Esta cinta nos muestra a una joven Pearl en el año 1918, quien vive atrapada en una granja cuidando de su padre y trabajando con su madre, mientras su esposo está en la guerra. Sin embargo, lo que más desea Pearl es ser famosa, ser bailarina en películas de Hollywood y escapar de una vida similar a la de su madre. Así que cuando surge una oportunidad para cumplir su sueño, Pearl la tomará sin importar nada ni nadie.
Lo primero que tenemos que mencionar es que Goth está en otro nivel en esta película. Si en X hizo un gran trabajo, en Pearl se supera a sí misma y por mucho (sin olvidar que comparte créditos como guionista). Pearl es excepcional al mostrar una propuesta visual technicolor que nos recuerda a películas como El Mago de Oz; y no sólo funciona como una propuesta estética interesante, sino que temáticamente nos adentra al mundo de Pearl.
¿Y por qué es importante esto? Porque vivimos todo como la protagonista: sentimos su frustración, alegría, dudas, miedos y enojo con historias de represión social, familiar, sexual y creativa. Todo esto en un personaje que se revela ante nosotros en un monólogo impresionante y una sonrisa que se quedará contigo mucho tiempo después de que terminen los créditos.
Ti West ya prepara la tercera entrega de esta saga titulada MaXXXine.
Prey
Dan Trachtenberg / Star+
La franquicia de Depredador es bastante irregular, por decir lo menos. La primera entrega fue definitiva en el cine de acción, ayudando a elevar la fama de Arnold Schwarzenegger y estableciendo al monstruo como un personaje icónico en la cultura pop.
Lamentablemente Predator 2, Alien vs. Predator, Predators y The Predator, no llegaron al nivel de la original con pocos momentos que son buenos. Sin embargo, este 2022 la franquicia toma un giro con Prey, la cual está ambientada hace 300 años en la nación comanche. Y nueestra protagonista es Naru, una joven guerrera que quiere probar su destreza como cazadora.
La propuesta de regresar en el tiempo para contar esta historia es genial, porque no sólo la separa de las demás entregas al remover todo el uso de la tecnología, sino también porque da la oportunidad de mostrarnos una cultura completamente diferente con sus rituales, tradiciones y habilidades.
Además nos propone una protagonista que subvierte el estereotipo tradicional al ser alguien que no se niega a la aventura, sino lo contrario. Amber Midthunder hace un excelente trabajo en las secuencias de acción al mostrar toda la destreza, fuerza y habilidad para enfrentarse, de manera creíble, a una criatura del tamaño y fuerza como lo es el Depredador.
Aquí resaltamos particularmente una secuencia de acción que sucede en un ambiente lleno de niebla, donde vemos al Depredador usar todo su arsenal contra un grupo de cazadores. Esperamos que Prey marque el nuevo rumbo de la franquicia, porque si algo nos dejó esta película fueron ganas de ver más historias ambientadas en este mundo. AQUÍ les dejamos la reseña completa de Prey.
RRR
S. S. Rajamouli
RRR es, quizá, la película más extraña, sorprendente, divertida, emocionante y cargada de acción de este 2022. Producto de la enorme maquinaria de Bollywood, esta cinta de S. S. Rajamouli es un espectáculo visual y narrativo que va desde las escenas de acción más elaboradas e increíbles, hasta los conocidos bailes de estas cintas.
Ambientada en la década de los 20 del siglo XX, con la ocupación británica en la India, RRR arranca con la presencia de un oficial británico y su esposa en un pequeño pueblo adentrado en el bosque. Por capricho, deciden “comprar” a una niña… pero no es una niña cualquiera, sino una parte relevante en la comunidad dentro de sus tradiciones.
Por lo que el guardián del lugar, quien es un sujeto mucho más poderosos de lo normal en nivel físico y moral, debe ir a la capital para rescatar a la niña. Pero su tarea no será sencilla, pues ha de enfrentarse a otro hombre con cualidades similares, pero cuyo objetivo es servirle a la corona y lograr un puesto relevante entre las autoridades.
En pocas palabras, ambos son una suerte de superhéroes que se enfrentarán de las formas más extraordinarias, pero no sin antes forjar una amistad que se ve vulnerada por sus distintos objetivos y el uso de sus poderes. Las coreografías son extraordinarias tanto para las peleas como para los bailes, y el recurso de los efectos especiales, notorios, se siente bien en una cinta que recurre a la exageración con un propósito narrativo bastante claro.