Cuando Quentin Tarantino fue a casa de Harvey Keitel a presentarle el guión de de Reservoir Dogs, el actor le preguntó sorprendido: “¿Cómo carajos llegaste a escribir esto?“, ante la negativa del director de tener familiares o relación con personas violentas. Veo películas“, contestó Tarantino.

Dos palabras (tres en inglés: I watch movies) que definen lo único que tenemos que hacer –esta cuarentena– para comprender la historia del cine: ver, ver y ver más películas. Y qué mejores lecciones que unos cuantos títulos de los directores más grandes, aclamados y determinantes en la evolución del séptimo arte.

Por eso, por acá les va una lista de grandes clásicos de directores de la talla de Scorsese, Lynch, Welles, que pueden encontrar en sus plataformas de streaming:

Reservoir Dogs (Perros de reserva)

Are you gonna bark all day, little doggie? Or are you gonna bite?

La mayor parte de los artistas, incluidos los cineastas, se tardan un buen rato para alcanzar un nivel de “madurez” en su trabajo y obras, o mejor dicho, de reconocimiento. Sin embargo, hay grandes excepciones como lo es Quentin Tarantino, quien en 1992 sacó su ópera prima titulada Perros de reserva en la que imprimió todo su estilo narrativo y lo llevo a ser nombrado como el “director más influyente de su generación”.

Esta película centra su historia en un grupo de criminales identificados por colores distintos: Blanco, Naranja, Rosa, Marrón, Azul y Rubio. No hay conexiones entre ellos, y son contratados para realizar un atraco a una joyería. El punto de quiebre lega cuando descubren que hay un informante en el grupo, desatando una cacería para descubrir quién es el traidor…

‘Reservoir Dogs’ de 1992.

Perros de reserva no es una película sobre criminalidad, tampoco sobre los estándares morales bajos de sus personajes, ni siquiera sobre la violencia en sí misma. Esta película no tiene un tema ni un propósito, y eso es lo que la hizo tan grandiosa en los 90 y la ha convertido en un referente del cine de Tarantino.

Reservoir Dogs está disponible en Prime Video junto a otros títulos de Tarantino como Bastardos sin gloria, Los 8 más odiados, Kill Bill, Kill Bill 2, Pulp Fiction y Django Unchained.

Boogie Nights (Juegos de placer)

What can you expect when you’re on top? You know? It’s like Napoleon. 

Boogie Nights de Paul Thomas Anderson, salió hace 23 años, en 1997, pero la realidad es que ha envejecido bien, o en realidad, ni siquiera lo ha hecho. Se trata de una obra fílmica grandiosa ambientada en la década de los 70, en la famosa era dorada de la pornografía en Estados Unidos. Acá conocemos a Jack Horner, un productor que descubre a Eddie Adams, conocido en la industria como Dirk Diggler.

Horner, con el talento de Dirk Diggler, pretende elevar las películas porno a un plano más artístico. Y con esto, llega la fama y las drogas, y lo que alguna vez fue un sueño un tanto idealista, se presenta como una cruda realidad que se rompe y se divide conforme pasa el tiempo y conforme la decadencia individual se expresa en sus distintas formas.

‘Boogie Nights’ de 1997.

El elenco es uno de los puntos más grandes. Boogie Nights está protagonizada por Mark Wahlberg, Burt Reynolds, John C. Reilly, Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman, Don Cheadle y William H. Macy. Cuando se estrenó en el 97, la película fue comparada  con Goodfellas de Martin Scorsese por su ritmo y por un detalle en específico: nunca deja de sorprender de formas interesantes en su historia, el desarrollo de sus personajes y, como mencionamos, las actuaciones.

Boogie Nights está disponible en HBO Go junto a otros títulos de PTA como Magnolia y The Master.

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (Dr. Insólito)

Mein Führer…! I can walk!

Stanley Kubrick tiene una trilogía fílmica antibélica que recorre la Primera Guerra Mundial, la Segunda y la infame Guerra de Vietnam. Paths of Glory de 1957f ue la carta de presentación a un estilo conocido en el cine, pero nunca antes visto: la percepción moral interna y la guerra como un escenario más.

Su segunda obra fue la que provocó más aclamación, pero también sorpresa. Se trata de Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb de 1964, una obra crucial en la filmografía de Kubrick ambientado en medio de la Guerra Fría, o si esta habría escalado a un enfrentamiento físico.

Por “error”, se ordena un ataque nuclear contra la Unión Soviética que desataría una guerra entre las dos potencias. Mientras el presidente de Estados Unidos intenta revertir el daño (de la amenaza), el Dr. Strangelove, antiguo científico nazi, confirma la existencia de una máquina, Doomsday, en manos de los soviéticos que es capaz de destruir el mundo y dejarlo inhabitado por 100 años.

Dr. Strangelove es una sátira, una parodia, una burla a los personajes que se involucran en conflictos bélicos que, de manera irónica, los quieren evitar a toda costa. Más que una crítica a los gobiernos en específico, en realidad, es una crítica al lenguaje y al uso de palabras como “exterminio” y “devastación” como un punto de debate entre dos entidades que no coinciden.

Para 1989, Kubrick estrenó Full Metal Jacket, una película que recibió más críticas negativas que positivas, pero que en realidad, es una obra importantísima por su división de actos. Es decir, parecen varias historias en una sola, pero con un mismo personaje como común denominador: un soldado con traumas desde su entrenamiento.

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb está disponible en HBO Go junto a otros títulos de Kubrick como La naranja mecánica, The Shining y Full Metal Jacket.

The Stranger

With these hands. The same hands that have held you close to me. 

En 1941, Orson Welles se “proclamó” como “el mejor director de todos los tiempos” con “la mejor película en la historia del cine”. Se trata de Citizen Kane la cual –dependiendo de los gustos– definió un estilo en el mundo del cine gracias a sus innovaciones narrativas. Pero en caso contrario, cinco años después, Welles sacó The Stranger (1946), una película que es considerada la más tradicional del cineasta.

The Stranger es un drama que si bien aborda el tema de la Segunda Guerra Mundial, en realidad se apega a una idea de individualidad. Acá conocemos al profesor Charles Rankin de Connecticut, quien tiene una vida tranquila junto a su esposa. Rankin es muy amable, y eso lo muestra cuando un extraño, de nacionalidad alemana, llega al pueblo. Rankin lo recibe… y es aquí cuando descubrimos quién es en realidad Rankin: un personaje nazi que borró todo su pasado por poder escapar de la justicia y los horrores cometidos en el pasado.

‘The Stranger’ de Orson Welles.

Orson Welles interpreta a Charles Rankin, cuya verdadera identidad es bajo el nombre de Franz Kindler. Para el año de su salida, The Stranger fue duramente criticada, no sólo se vio reflejado en la taquilla, sino en las críticas de la época que la clasificaron como la peor cinta de Welles; sin embargo, no necesita ser una película disruptiva en sus formas para que se pueda disfrutar como el drama “sencillo” que es.

The Stranger está disponible en Netflix junto a otros títulos de Welles como The Other Side of the Wind, una producción que nunca terminó por falta de presupuesto, pero que hace unos años tomó de nueva cuenta Netflix para terminarla con ayuda de otros directores y productores.

Blade Runner

All those moments will be lost in time… like tears in the rain. Time to die.

La ficción de Ridley Scott en Blade Runner no nos alcanzó en 2019, año en que está ambientada una de las más grandes películas de ciencia ficción. En 1982, salió un filme sci-fi y neonoir que nos presentó a Rick Deckard, un exdetective encargado de encontrar androides conocidos como replicantes, los cuales tienen más fuerza que los humanos e inteligencia, pero no respuestas emocionales.

Deckard entra de nuevo a la acción cuando le piden que detenga la llegada de cuatro replicantes que pretenden quedarse en la Tierra, de donde han sido desterrados, en la ciudad de Los Ángeles, la cual está llena de luces neon, pero donde nunca hay una pausa entre anuncios, decadencia, suciedad y lluvia. Blade Runner, visualmente, es monumental por ser caótica y dar una sensación de encierro (en un futuro).

Los replicantes tan sólo tienen cuatro años de vida, y esta se mide a partir de su capacidad de empezar a desarrollar emociones como cualquier humano, evitando completamente la distinción entre humano y máquina que para el final del filme, es contraria.

El tiempo de vida de Roy, un replicante, se termina. Después de una persecución peligrosa entre Deckard y Roy, este decide salvar al detective que está a punto de morir. Un hombre por el que no siente nada (ni odio, ni amor), mientras el humano es capaz de experimentar cualquier sensación por una máquina que le muestra, irónicamente, el significado de ser humano. 

Blade Runner: The Final Cut está disponible en Netflix junto a otros títulos de Ridley Scott como Gladiador.

Wings of Desire (Las alas del deseo)

Why am I me, and why not you? Why am I here, and why not there? When did time begin, and where does space end? Isn’t life under the sun just a dream?

Los últimos años de Wim Wenders lo definen como un gran documentalista que logra mezclar la sensibilidad artística de la ficción, con la objetividad de la realidad. Sin embargo, años antes de que comenzara esta etapa, Wenders era uno de los más grandes narradores de historias de amor y pureza, y la prueba se encuentra en Las alas del deseo de 1987 y su secuela ¡Tan lejos, tan cerca! de 1993.

Wings of Desire nos muestra un mundo dual. El primero donde viven los seres humanos, quienes están custodiados por un ángel, aquellos que residen en el segundo. Los adultos no pueden ver a sus ángeles (los niños sí porque son puros de espíritu), pero estos les ayudan a atravesar momentos de dolor o las formas de valor. Pero no pueden cambiar el destino de los humanos.

La película está protagonizada por dos ángeles que han existido desde antes de todos los tiempos. Y la realidad de uno, Damiel, cambia cuando se enamora de una mujer humana. De este modo, decide sacrificar su condición de ángel, inmortal, para estar con ella. Ambientado en la Alemania del este de los 80, Las alas del deseo es una experiencia fílmica visual que sume al espectador en un mundo quimérico donde queda expuesta la verdadera condición humana.

Wings of Desire está disponible en Prime Video con otros títulos de Wim Wenders como ¡Tan lejos, tan cerca!, Paris, Texas, The Wrong Move, Every Thing Will Be Fine, y los documentales Buena Vista Social Club, Notebook on Cities and Clothes, y A Trick of The Light. 

Dune (Dunas)

He who can destroy a thing, controls a thing. 

Dune no es la mejor película de David Lynch. Definitivamente, pero es la única manera que tenemos de entender qué habría hecho Lynch con un mundo fuera de este desde un plano que no sea el metafórico, o el de los sueños, o el surrealista. Dune de 1984 está basada en la novela homónima de Frank Herbert publicada en 1965 protagonizada por Paul Atreides, quien se le “ordena” permanecer en el planeta Arrakis, también conocido como Dune por su enorme desierto donde hay un elemento de alto valor –una especie de combustible y droga– y que sólo se encuentra ahí.

Los exgobernantes de este lugar, desean recuperar el control, por lo que atacan a Atreides y a su población, la cual ha sido azotada y explotada para sacar ese elemento que es tan codiciado en el universo conocido en la película. Y así es como  Paul huye al desierto donde se revelan algunos peligros en un ambiente de por sí hostil, pero al mismo tiempo salen a relucir las cualidades del mismo Paul Atreides que van de lo que se piensa normal en una historia de ciencia ficción a lo que podemos considerar como mágico.

Kyle MacLachlan en ‘Dune’ de 1984.

La ciencia ficción según Lynch no fue muy bien recibida por la crítica. ¿Por qué? Los escenarios son sorprendentes y el elenco, liderado por Kyle MacLachlan, nevegan bien entre ellos. Pero lo que más falló en la película, es que se pierde el mensaje principal de la novela, la cual es una de las más leídas dentro de la ciencia ficción.

Dune está disponible en Prime Video.

Twleve Monkeys (12 Monos)

I love the music of the 20th century! I love this air! Love to breathe this air!

No hay una película más acertada (¿o acaso es todo lo contrario?) para ver que Twelve Monkeys de Terry Gilliam, la cual salió a finales de 1995. Esta cinta de ciencia ficción, pero también de horror mezclado con humor negro, nos muestra un futuro donde la humanidad casi exterminada, inventa los viajes en el tiempo. Esto lo han de utilizar para revertir un ataque biológico, a partir de un virus, que terminó con la vida conocida en la Tierra.

 Y así llega James Cole, un prisionero del año 2035 que para tener el perdón, debe viajar en el tiempo y evitar que el virus llegue a las manos equivocadas. Para esto, viaja a 1990, seis años antes del ataque, y comienza a investigar lo que realmente sucedió y la razón por la cual el aire que se respira, en 2035, es venenoso. Con ayuda de una psiquiatra, es que descubre al culpable sin poder evitar realmente lo sucedido: la típica paradoja de los viajes en el tiempo.

La historia es dinámica, y mientras Cole se libera de un psiquiátrico y de su compañero lunático, Jeffrey Goines. Twelve Monkeys es una gran reflexión que nos lleva a una lección poderosa no sobre lo que ha sucedido este 2020 con la propagación del coronavirus, sino con que los humanos damos todo por hecho, incluso el aire que respiramos.I love this air! Love to breathe this air!”, dice Cole con lágrimas en sus ojos en un momento hermoso de la película en la que debemos poner más atención, y más sentido común.

Twelve Monkeys está disponible en HBO Go.

The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo)

It simply doesn’t matter how you want to change things. We don’t want them changed. 

El problema de las películas que tocan temas religiosos, es que todos los comentarios y reflexiones apuntan al tópico mismo. Es decir, la valoración moral de la iglesia y sus implicados, la fe, la validez de los discursos religiosos, y la historia de una religión en específico. En otras palabras, pocas veces se presta atención al valor fílmico como la dirección, el guión, la producción, el diseño, y demás. Y esa fue la suerte que corrió Martin Scorsese con The Last Temptation of Christ de 1988.

Sin duda, La última tentación de Cristo es una de las películas sobre religión –no religiosas– más grandes de todos los tiempos, y una de las razones es el enorme elenco que la conforma. Willem Dafoe como Jesucristo, seguido de Harvey Keitel como Judas y David Bowie como Poncio Pilato.

David Bowie como Poncio Pilato en ‘La última tentación de Cristo’.

The Last Temptation of Christ nos muestra la vida de Jesús más allá de su obra. Si bien se apega a las Escrituras, cambia algunos aspectos fundamentales como el final en el que Jesucristo es liberado del martirio y del dolor “porque su padre es el dios de la misericordia y no del castigo” por un extraño ángel. Y aquí fue donde radicó en 1988 que las críticas se voltearan más al aspecto religiosos, que al hecho de que es una gran película que presentó de una forma nunca antes vista, un tema de por sí delicado, pero sin salirse de unos límites impuestos culturalmente, sobre todo por la época.

La última tentación de Cristo está disponible en Netflix junto a otros títulos de Scorsese como The Irishman y el documental Rolling Thunder sobre Bob Dylan.

Psycho (Psicosis)

I’m not even going to swat that fly. I hope they are watching… they’ll see. They’ll see and they’ll know, and they’ll say, “Why, she wouldn’t even harm a fly?”. 

Alfred Hitchcock es uno de los directores más aclamados en la historia y su historial fílmico lo respalda. Tiene al menos cinco películas que cambiaron todo el panorama del cine, y una de ellas, sino es que la primera, es Psycho de 1960, un filme en blanco y negro que definió, porque aún no estaba tan claro (a pesar de grandes filmes como La escalera de caracol de 1945).

Marion Crane, una mujer que decide robar dinero de su trabajo, para poder huir con su amante, el cual no puede vivir con ella por el peso de las deudas de su padre muerto y su exesposa. De camino a California, Marion decide tomar un descanso en un solitario hotel de la carretera donde conoce al encargado, Norman, hijo de la dueña, una señora que aparentemente está enferma.

Y aquí es donde empieza la verdadera historia de Psycho o Psicosis, basada en la novela homónima de Robert Bloch escrita en 1959. La película marca un antes y un después en el cine de suspenso y los thrillers psicológicos porque Hitchcock, simplemente, era un maestro para manipular a las masas no con la historia, sino con las técnicas narrativas que fueron presentadas en el filme.

Psycho de Alfred Hitchcock está disponible en Prime Video con otros títulos como Para atrapar al ladrón, The Lady Vanishes, Los pájaros, La ventana indiscreta, Vértigo, El hombre que sabía demasiadoNumber Seventeen. 

Acá les dejamos nuestra pieza en #SopitasXAireLibre sobre estos clásicos del cine que pueden ver en plataformas de streaming: