Cine

Las mejores películas de los países nominados a los Golden Globes 2021

Acá les dejamos una lista de cinco (4 porque 'Minari') películas que deben ver de los países que están nominados a los Golden Globes 2021.

Lo hemos dicho en otras ocasiones. La categoría de Mejor Película Extranjera es, para nosotros, la más importante entre el circuito de festivales y ceremonias como los Golden Globes o los Oscar. ¿La razón? No sólo premia a un director o una producción, sino celebra la industria fílmica de todo un país y reconoce que ha sido lo más destacad en todo el mundo. 

Por eso queremos hablar de los países y las películas nominados este 2021 dentro de los Globos de Oro, los cuales se llevarán a cabo este domingo 28 de febrero, día en el que se anunciará si Dinamarca, Guatemala, Italia, Francia o Estados Unidos, se llevarán la estatuilla y aseguran, de alguna manera, un lugar para los Oscar de este mismo año.

Pero más allá de platicar de las películas nominadas, queremos mencionar algún otro título/producción imperdible que deban ver antes de llegar a la ceremonia, o bien, para que tengan una buena lista de cinta no habladas en inglés (ni español) este fin de semana.


golden globes score

Foto: Getty

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Dinamarca

Another Round

Dinamarca es uno de los cinco países nominados para el Golden Globe en la categoría de Mejor Película Extranjera, o mejor dicho, de Habla no inglesa con Another Round de Thomas Vinterberg. Vinterberg es uno de los directores daneses más conocidos desde la década de los 90 cuando triunfó en Cannes con The Celebration.

También es conocido por ser uno de los fundadores junto a Lars Von Trier del famoso colectivo Dogme 95, un colectivo que definió ciertas “reglas” a seguir para volver al cine en su estado más puro: locaciones reales, sin mezcla de sonido, sin efectos, a color, con una historia que marque la temporalidad inmediata del espacio y del tiempo, y más.

Imagen de ‘Another Round’ de Vinterberg.

Como mencionamos, con el estreno en 2020 de Another Round, Vinterberg y Dinamarca están en el mapa una vez más con una película que ha recibido buenas críticas a nivel internacional. La cinta está protagonizada por Mads Mikkelsen como Martin, un maestro de historia que junto a otros profesores, deciden mantener un nivel de 0.05 por ciento de alcohol en su cuerpo.

Esto para comprobar la teoría de un filósofo noruego que dice la cantidad exacta de alcohol para ser felices. Cuando comienzan a ver resultados, deciden subir los grados de alcohol. La película, una especie de tragicomedia, pareciera irse del lado de una comedia tonta como The Hangover, pero nada más alejado de eso: Another Round es divertida, reflexiva y bastante dramática.

Ahora. Su tuviéramos que recomendar alguna otra película danesa, nos iríamos con la misma fórmula: Thomas Vinterberg y Mads Mikkelsen. 

The Hunt de Thomas Vinterberg

The Hunt es una película de 2012 que también se movió en el circuito de festivales internacionales de aquel año con mucho éxito. Aquí, Mikkelsen interpreta a Lucas, un cazador y profesor de preescolar que tiene una vida relativamente tranquila en un pequeño pueblo de Dinamarca.

Lucas está luchando por la custodia de su hijo, un adolescente que siente especial afecto por su padre. Lucas tiene un mejor amigo en el pueblo con quien sale de caza, y además, es profesor en el kínder de la localidad donde la pequeña hija de su amigo, Klara, va a clases. Ella comienza a sentir un inocente apego por Lucas, y cuando este lo nota, decide dejarle claro que esos sentimientos no pueden ser correspondidos.

Klara en ‘The Hunt’ de Vinterberg.

Klara, después de ver una imagen pornográfica en el iPad de su hermano, decide decirle a una de sus maestras que Lucas abusó sexualmente de ella. Así, el cazador se convierte en presa y revela a un pueblo que cae en la paranoia, injusticia, mal información y un pésimo tratamiento de un caso tan delicado como es el abuso sexual de menores.

Lucas, desde luego, se queda sin trabajo, probablemente vuelva a mantenerse alejado de su hijo y comienza a sufrir las consecuencias del rechazo, la repulsión y el odio de un pueblo que se preocupa por sus hijos e hijas al grado de que ven señales de abuso donde no las hay.

El personaje de Lucas con su hijo Marcus.

La actuación de Mikkelsen es sensacional, y la edición juega un papel especial para contar una historia ya conocida, pero que adquiere un nuevo sentido a partir de la forma en la que muestran el aumento del terror dentro de una comunidad que no está segura de a qué o a quién temerle.

The Hunt es un extraordinario relato que pone al centro de la conversación un sinfín de puntos: el abuso sexual infantil, presumir inocencia por parte del acusado, los lazos de una comunidad, e incluso, la confianza ciega en un menor que ha sido herido emocionalmente hablando desde un hogar que parece fracturarse.

Francia

Two of Us

La historia de Francia con los festivales y las ceremonias internacionales es bastante larga. Clásicos del cine han salido desde este país con nombres como el de Agnès Varda, Claude Chabrol, Francois Truffaut, Alain Resnais, y muchos más que aún siguen con vida y haciendo cine.

Sin embargo, parte de sus producciones más destacadas han sido cortesía de directores de otros países. Y esta fórmula de éxito se ha repetido este 2020-2021, pues Francia vuelve a destacar con Two of Us de Filippo Meneghetti, un director italiano que había recibido atención gracias a su trabajo en guiones de distintas producciones.

Con esta película, protagonizada por Barbara Sukowa y Martine Chevallier, presenta una historia de amor entre dos mujeres que se han mantenido oculta por décadas.

Barbara Sukowa y Martine Chevallier, protagonistas de ‘Two of Us’.

Nina y Madeleine son dos mujeres de la tercera edad que han sido vecinas durante años. Pero no sólo se conocen por vivir en el mismo piso y por tener una amistad, sino por ser amantes desde siempre, un amor que le han ocultado al mundo y que deciden compartir con sus respectivas familias.

Madeleine, quien recientemente perdió a su esposo y ahora está jubilada, es la que no se decide a contarle a sus hijos y nietos que el verdadero amor de su vida no fue su padre/abuelo, sino su vecina. Y antes de poder contarles, Madeleine sufre de un derrame que la deja sin posibilidad de comunicarse.

La hija de Madeleine descubre esa conexión con la vecina, y se niega a reconocer la existencia de una relación basada en el amor y el entendimiento. Two of Us está nominada en los Golden Globes, y tal fue el caso de otra película francesa que les queremos recomendar porque es lo mejor que este país ha ofrecido en la última década.

La haine de Mathieu Kassovitz

“Qué amables son los policías aquí“, dice Saïd sorprendido del trato de un policía fuera de las zonas conflictivas. Saïd es uno de los tres protagonistas de La haine, película de 1995 dirigida por un joven Mathieu Kassovitz. Los otros dos personajes centrales son Hubert, proveniente del norte africano y Vinz, un judío del este. Los tres son jóvenes, medio vagos, y viven en la periferia de la ciudad en “ratoneras”, como Vinz suele decirle, a los enormes edificios.

Justamente cuando se estrenó esta película, la capital francesa vivió uno de los momentos más caóticos para el cierre del siglo. En el verano estalló una bomba en el metro parisino que, luego volvió a estallar otra en el Arco de Triunfo, con lo que sumó cientos de personas heridas y decenas de muertos. Algunos atribuyeron los ataques a la guerra que se gestaba en Algeria, otros no.

Vinz, Säid y Hubert de ‘La haine’.

La realidad es que esos ataques y amenazas se quedaron en misterio, pero revelaron un problema mayor no sólo de París, sino todo el país: la multiculturalidad estaba desencadenando desigualdades por motivos raciales, religiosos, sociales, económicos y políticos.

En otras palabras: violencia cultural y racial, sinónimo de brutalidad policiaca. Y La haine, filmada en blanco y negro, revelaba eso: tres jóvenes que más que odiar a los policías, odiaban el sistema que hacía que los policías se comportaran como unos idiotas por el simple hecho de poder hacerlo. Aquellas comunidades marginadas a las que ellos pertenecían, revelaban una revolución que no se podía materializar por falta de recursos y organización, mas no de ganas ni motivos.

Una de las escenas más icónicas en ‘El odio’.

Vinz está enojado y tiene un arma. Y está enojado porque uno de sus amigos, Abdel, fue herido de gravedad mientras era sometido por la policía. Es claro: si Abdel muere, la balanza se debe equilibrar matando a un policía. Pero Hubert, quien rechaza la violencia, le dice que no, que no es el camino ni la manera…

En la escena final, la cual no vamos revelar para evitar spoilers, se oye: Es la historia de una sociedad que se cae“. La pregunta, desde 1995, es cuánto va a durar ese “hasta ahora todo va bien“. Detrás, los enormes rostros de Rimbaud y Baudelaire.

La haine está disponible en Mubi.

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Guatemala

La llorona

La llorona de Jayro Bustamente es la primera película guatemalteca que recibe una nominación a los Globos de Oro. Así que en este 2021, al menos entre los Golden Globes, se está haciendo historia, pues también es el primer año en que tres mujeres son nominadas en la categoría de Mejor Dirección.

Jayro Bustamente, quizá el director guatemalteco más destacado en los últimos años, nos trae en La llorona una historia que explota el recurso del suspenso para retratar un hecho histórico que sigue como herida abierta para Guatemala: el genocidio de la década de los 80 durante la Guerra Civil de Guatemala.

María Mercedes Coroy como Alma en ‘La llorona’.

Como sabemos, Efraín Ríos Montt, quien era jefe de Estado y militar durante la época, inició una especie de limpia entre las comunidades indígenas en su intento de evitar que se alimentara la supuesta guerrilla marxista en la zona. Miles de hombres, mujeres y niñ@s, fueron asesinados en medio de una ola de violencia que nunca vio justicia.

Aquí está el corazón de La llorona, la cual tiene como protagonista al general Enrique Bustamante, acusado de ser responsable del genocidio. Mientras pierde la memoria, también pierde a los empleados de su hogar, mayormente indígenas, revelándose ante si no la soledad de ser acusado de uno de los peores crímenes en contra de la humanidad, sino siendo cuestionado por su propia hija (señalada, además, de ser de izquierda o ir contra los principios políticos de su propio padre).

‘La llorona’.

Y aquí lo más aterrador no es la leyenda de una mujer que clama a sus hijos después de haberlos ahogado. Sino los horrores de un pasado que se mantienen vigentes en la mente del perpetrador y una comunidad que no va a descansar hasta que sus muertos obtengan justicia.

Y para entrarle de lleno al cine de Guatemala y de Bustamante, acá les platicamos de otra de sus cintas.

Ixcanul de Jayro Bustamante

Durante una plática en una universidad en Estados Unidos, una socióloga les dice a los alumnos blancos que alcen la mano aquellos que les gustaría ser tratados como a los negros en el país. Ninguno alzó la mano. Ella, ante la ausencia de voluntarios, les dice que si reconocen que algo está mal al grado de no quererlo para ellos, ¿por qué permiten que a los demás sí les suceda?

Y esa misma pregunta la podemos aplicar para otras minorías hasta llegar a un punto crítico en la región de Latinoamérica: ser mujer, y además, ser indígena. Y una mujer indígena es la protagonista de Ixcanul, cinta de 2015 que triunfó en distintos festivales como el de Berlín gracias a su cinematografía, actuación e historia.

Imagen de ‘Ixcanul’ de Bustamante.

Ixcanul está protagonizada por María, una joven que se debe casar con Ignacio, jefe de la finca de la comunidad y donde su padre trabaja. Pero ella no quiere, pues está enamorada de Pepe, quien pretende ir a Estados Unidos. Ella le pide que la lleve, y él condiciona su partida a “tratarlo bien”, por lo que María complace a Pepe y tiene relaciones sexuales.

Cuando descubren que Pepe está desparecido y María está embarazada, comienzan una serie de tragedias en torno a la familia de María. En algún punto, la película también revela uno de los problemas que aquejaron y aquejan a Guatemala: el robo de bebés para adopciones ilegales fuera del país.

Ixcanul, de este modo, hace un crítica realista y seria de la cotidianidad de los pueblos indígenas en el país: pobreza y discriminación. Pero también revela el lugar que ocupan las mujeres dentro de estas comunidades, el cual se reduce a obediencia y maternidad.

Italia

The Life Ahead

The Life Ahead marca el regreso de Sophia Loren después de 11 años de ausencia (su último filme fue en 2009), y vaya que marca un regreso, pues representa lo más destacado de esta película dirigida por su propio hijo, Edoardo Ponti.

La película está protagonizada por Loren como Madame Rosa, una sobreviviente del Holocausto que se prostituía para sobrevivir. Ya vieja, convierte su hogar en un lugar de acogida para hijos e hijas de trabajadoras sexuales. Rosa, al momento de la película, cuida a dos: un bebé y un niño de ascendencia asiática.

La película comienza cuando llega a su vida Momo, un niño que se rehúsa a cuidar en un principio después de que este intenta robarle unos candelabros que ella pretendía vender para poder pagar la renta.

Sophia Loren en su regreso al cine en ‘The Life Ahead’.

Momo es de Senegal (musulmán) y está en calidad de refugiado en el país. Tiene problemas para relacionarse con otros y siempre está enojado. Desde luego, el niño nunca ha escuchado del Holocausto, pero la relación que se crea entre él y Madame Rosa, es la del sentimiento de ser despreciados y constantemente ser reducidos a nada.

Loren, como mencionamos, es lo mejor de esta película, seguido de Ibrahima Gueye, quien interpreta a Momo de una manera fría, calculadora y triste al tratarse de un niño solitario que lo único que busca es una oportunidad de evitar volver de donde vino. The Life Ahead está nominada a los Golden Globes.

¿Pero qué otra película italiana de los últimos años podemos ver para prepararnos?

La Grande Bellezza de Paolo Sorrentino

Sabemos que hay algunos directores que parece utilizan historias como pretexto para mostrar en toda su glorias sus ciudades. Woody Allen y Nueva York son el mejor ejemplo de esto, y si se pudiera considerar un género, entonces pondríamos entre los primeros lugares La Grande Bellezza de Paolo Sorrentino.

Esta película de 2013 es un ensayo de Sorrentino sobre el lugar de un hombre, dentro de una enorme ciudad, que a su vez pertenece a un país. O bien, de un país por el que un hombre siente un fuerte sentido de pertenencia gracias al amor que le predica a su ciudad de origen. O bien, una ciudad que se asume más grande que el país al que un simple hombre pertenece. Y todo esto, resumido en la historia de su arte, de su cine.

Aquí conocemos a Jep Gambardella, interpretado por Toni Servillo, quien tiene la función de mostrarle al espectador cada punto de Roma, una ciudad que se define por su historia y los turistas que llegan a escuchar de esta. Jep, quien trabaja como periodista y goza de cierta fama y prestigio como escritor, vive distintas situaciones en las que reflexiona sobre la sensibilidad, las emociones y el amor, las cuales siempre están reunidas en lo que consideramos bello, pero no estético.

Estados Unidos

Minari

La pregunta del millón: ¿Por qué Minari recibió una nominación a los Golden Globes como Mejor Película Extranjera si se trata de una producción estadounidense? La explicación que dieron es que más del 50 por ciento del diálogo está hablado en coreano, razón suficiente para considerarla en esta categoría donde compiten producciones filmadas en otros países con realizadores de otros países.

Este no es el caso de Minari, la cual fue filmada en Estados Unidos, con un equipo de producción de este mismo país y un director estadounidense de ascendencia coreana. Sin embargo, lo hecho, hecho está y esta cinta compite contra títulos daneses (la favorita), guatemaltecos (la sorpresa de los Golden Globes), italianos y franceses.

Steven Yeun en ‘Minari’ / Foto: A24

La controversia en torno a esta nominación, además de que faltó mencionar a Steve Yeun como Mejor Actor, es porque una gran parte de la familias americanas, en la intimidad de sus casas americanas, hablan el idioma con el que nacieron sus padres, los cuales migraron a una tierra de oportunidades para cumplir en sueño americano. ¿Por qué hablarla en inglés? Es absurdo.

Pero precisamente de eso se trata Minari de Lee Isaac Chung: una familia coreana se muda de California a Arkansas para establecer una finca/granja donde se pueda sembrar granos coreanos. Esto nace de las cifras: según el padre, decenas de miles de coreanos se mudan a Estados Unidos, ¿qué tal si él siembra ese sabor que les recuerde a casa? Negocio redondo.

Steven Yeun en ‘Minari’ de Lee Isaac Chung / Foto: A24 vía Sundance

Todos los ahorros de esta familia, así como los sueños de mejorar su nivel de vida, se encuentran en este lugar que, con el tiempo, descubren no da frutos. A la par de esta historia, la película se centra en David, un niño pequeño que enfrenta no sólo al cambio de hogar y una extraña condición cardiaca (¿se imaginan a un niño de 7 años sin poder correr en el campo?), sino al choque cultural que supone la llegada de su abuela de Corea: una señora que no habla inglés y no es como las abuelas de sus amigos en California.

No haremos otra recomendación para Estados Unidos, pues Minari funciona (según los Golden Globes), como una doble película: la historia de una familia coreana y la historia de una familia americana.

“Fight For You”, la canción de H.E.R. que casi queda fuera de los Golden Globes 2021

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